Düster, aggressiv und heavy – Sorgir von Skálmöld

Pagan Metal/Folk Metal/Melodic Death Metal
Veröffentlicht: 12.10.2018
Napalm Records
https://skalmold.is/


Ja! „Sorgir“ von Skálmöld ist da. Es ist das fünfte Album der Isländer und es kommt wirklich genau zur richtigen Zeit, denn es soll düster, aggressiv und heavy sein und das brauche ich grad dringend. Neulich im Gitarrenunterricht: „Du spielst da grad den fröhlichen Akkord, gell, da klingt das nicht mehr so richtig düster.“ Bah, jetzt schleichen sich schon ungewollt fröhliche Akkorde ein – und alles, was ich mir denke ist: „Klingt irgendwie komisch?!“. Nee, nee, nee, ich muss mir dringend eine ordentliche Packung Dreck, Düsternis und Evilheit verpassen, nicht dass diese schleichende Helenisierung (und das hat nichts mit Griechen und nur was mir Schlager zu tun) noch fortschreitet.

Sorgir“ bedeutet „Sorge“ und deutet schon an, wohin die musikalische Reise geht. Aber die Isländer spielen nicht einfach planlos drauf los, sondern es steckt noch mehr dahinter. Das Album teilt sich quasi in zwei Teile: „Sagnir“ und „Svipir“. Es gibt jeweils vier „Sagnir“ (Geschichten) und vier „Svipir“ (Geister) Songs und wiederum jeweils zwei – einer aus jedem Teil – bilden ein Paar, das ein und dieselbe Geschichte aus unterschiedlichen Perspektiven erzählt. Einmal aus der Sicht der Person, der das Ganze widerfährt, und einmal aus der Sicht eines anderen Wesens. So, genug der Theorie… Lobend und voller Begeisterung muss ich auch noch das wunderschöne und liebevoll gestaltete Artwork von Kristján Lyngmo erwähnen. Sehr hochwertig und sehenswert!

Der Opener „Ljósið“ (Licht) löst dann auch sofort das gegebene Versprechen ein und haut uns ein schnelles, hartes Riff um die Ohren. Dazu gesellen sich Sänger Björgvins charakteristische, rhythmische Sprechgrowls, Baldurs Schreie und der glasklare, wunderschöne Chorgesang. „Sverðið“ (Schwert) macht mit gemächlicher Schunkelmelodie weiter. Was allerdings an dem Song so richtig Spaß macht, sind die Doppelleads und die vielschichtigen Gitarren, die sich immer wieder ineinander verweben. Fröhliche Folkmelodien sucht man allerdings auf „Sorgir“ tatsächlich vergeblich. Auch „Sverðið“ hat trotz Schunkelmelodie eine eher unheilvolle Stimmung. Mit „Brúnin“ wird es wieder zackiger und Gitarrist Þráinn Árni Baldvinsson haut sein erstes atemberaubendes Hochgeschwindigkeitssolo raus, während Drummer Jón uns mit seinen Doublebasses traktiert. „Barnið“ gefällt mir, weil der Song sehr von den Drums und vom Rhythmus dominiert wird. Er ist schwer, schleppend, drückend, die Gitarren schweben unheilvoll im Hintergrund und dann Bäm! Solo! „Skotta“ ist eine Wundertüte voll Unheil, Gänsehaut und ungutem Gefühl. Tempotechnisch pendelt der Song zwischen stampfenden Passagen und affenartigem Tempo mit Drum- und Gitarrensalven und rasendem Tapping. Gegen Ende taucht das Hochgeschwindigkeitstapping nochmal im Hintergrund auf. Im Vordergrund Cleangesang. Durch die verschiedenen Geschwindigkeiten ergibt sich ein eigentümlich verschobenes Gefühl. Herzklopfen pur.

Die beiden Highlights auf einem Album voller Highlights sind „Móri“ und „Mara“. Heidewitzka – echt. „Móri“ baut langsam und bedächtig durch dumpfe Trommel und anschwellende Gitarren eine unheilvolle Spannung auf. Gastsängerin Ragnheiður Steindorsdottir schafft dann durch ihren Gesang, unterlegt von einer Oboenmelodie, einen schon fast heilig wirkenden Moment, der etwas Tragisches in sich birgt. Und dann hauen die Gitarren und Björgvins Growls gewalttätig mitten rein. Der Hammer. Das Ganze ist so bombastisch, dass man sich fragt „Was soll da jetzt noch kommen?“ Wie „Móri“ besticht auch „Mara“ durch eine gut durchdachte und ausgeklügelte Komposition. „Mara“ ist Härte und Brutalität gegen Weichheit und Traurigkeit. Der von einem Break eingeleitete cleane Gitarrenteil ist dermaßen zum Heulen schön. Doch auch hier lauert schon wieder die Tempokeule und Gitarrist Þráinn Árni Baldvinsson haut nochmal alles raus, was die Finger, Saiten, das Plektrum und die Gitarre nur hergeben und fabrizieren können. Mir fallen einfach keine Superlative mehr ein, deshalb lasse ich es und bleibe mit meiner Gänsehaut hier sitzen.

Sorgir“ ist düster, aggressiv und heavy. Folkig ist das Album auch, aber durch die Blume und nicht mit der Axt. Skálmöld packen jede Menge haarsträub-Akkorde aus und arbeiten mit meisterhaften Tempowechseln und Überraschungseffekten, die eine unheilvolle Gruselatmosphäre schaffen. Typisch für die Isländer ist die riesige Bandbreite beim Gesang: rhythmische Growls, Screams, Cleangesang oder einfach Geschrei – es ist alles vorhanden. Baldur und Björgvin im Wechsel und Zwiegebrüll sind einmalig gut. Stimmige und harmonische Doppelleads und drei Gitarren, die sich vielschichtig ergänzen plus Hochgeschwindigkeitssoli und Ohrenbluttapping, die einem die Schlappen ausziehen, runden das Ganze perfekt ab. Kompositorisch sind die Songs der Isländer ausgeklügelt, kurzweilig und überraschend und im Fall von „Móri“ und „Mara“ mit einem irren Spannungsbogen versehen. Skálmöld erzählen mit ihrer Musik Geschichten und auch wenn der Text natürlich eine wichtige Rolle spielt, benötigt man ihn oft gar nicht, um die Geschichte nachzuempfinden und zu verstehen. Sie sind kalt, hart, abweisend, anrührend, gänsehautverursachend und zum Heulen schön.

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Tracks:
1. Ljósið
2. Sverðið
3. Brúnin
4. Barnið
5. Skotta
6. Gangári
7. Móri
8. Mara

Band:
Snæbjörn Ragnarsson – Bass, Gesang
Jón Geir Jóhannsson – Drums, Gesang
Baldur Ragnarsson- Gitarre, Gesang
Gunnar Ben – Keyboards, Oboe, Gesang
Þráinn Árni Baldvinsson- Gitarre, Gesang
Björgvin Sigurðsson- Gesang, Gitarre

Herrlich schnell, herrlich irre – Ooka von Profane Omen

Groove Metal
Veröffentlicht: 07.09.2018
Playground Music
http://www.profaneomen.net/


OokaNiemals werde ich diesen Moment vergessen. Wir schreiben das Jahr 2014. Finntroll befinden sich auf ihrer Nattfödd Jubiläumstour und machen auch in Schwäbisch Hall Halt. Mit im Gepäck – als Vorband – Profane Omen. Ich werde niemals diesen Moment vergessen, in dem die Finnen auf die Bühne stürmten wie Irrwische auf Speed. Sänger Jules Näveri brüllte los wie ein wütender Troll und machte dazu den passenden Gesichtsausdruck und man hatte den Eindruck, dass es einem gleich die Perücke vom Kopf weht. In diesem Moment war es um mich geschehen.

Nun präsentieren Profane Omen ihr neustes Werk namens „Ooka“. Das Album gehört mit neun Songs eher zu den kürzeren. Die Zeit verfliegt beim Hören unheimlich schnell – was ja schon einmal ein gutes Zeichen ist. Es gibt durchaus auch kurze Alben, die wirken wie eine halbe Ewigkeit und länger… aber das ist ein anderes Thema. Das Album Cover ziert ein japanisches Kamikaze Flugzeug. Jawoll. Das passt zu „Ooka“ und das passt irgendwie zu den finnischen Groove Metallern mit der Kraft der zwei Bässe. Und wie ein Kamikazeflieger stürzen wir uns jetzt auch voller Todesverachtung mitten ins neue Album. Naja – keine Sorge – so schlimm wird es nicht.

Die ersten drei Songs bieten uns das, was wir von einem Profane Omen Song erwarten: voll in die Fresse und einen kräftigen Arschtritt hinterher. Vor allem „One Man Show“ überzeugt dabei mit mördermäßigen Breakdowns, Gesang, der teilweise herrlich manisch rüberkommt und einem ausgezeichneten Gitarrensolo. Samuli Mikkonens Arbeit an den Drums ist sowohl in diesem Song, sowie auch auf dem ganzen Album sehr überzeugend, variantenreich und hält immer wieder kleine Überraschungen parat.

So weit so gut. Aber da geht doch noch mehr, oder? Ja klar. „Terminal Disfunction“ führt uns vor Augen, was geschieht, wenn man zu viele bunte Pillchen einwirft. Näveris Stimme transportiert zu Beginn eine völlig abgedrehte, irre Stimmung, dass man selbst schon beginnt sich selbst über die Schulter zu spähen. Hat sich da nicht etwas bewegt? Und die vielen bösen Stimmen… Dann geben die Jungs Gas und der Song geht richtig, richtig gut ab, ohne seine ungute Grundstimmung einzubüßen. Auch „War Boy“ überzeugt vom ersten bis zum letzten Ton und war schon Song des Monats 06/18. Starker Text, starker Refrain und Tempowechsel, die Spaß machen. Definitiv ein herausragender Song auf dem Album. Als ich „Aftersound“ zum ersten Mal gehört habe, war mein erster Gedanke „Wie krank.“ Also gut krank natürlich. Der Song eröffnet mit einem Schrei aus tiefster Seele. Da ist eigentlich schon alles klar. Dazu gibt es einen Mix aus Cleangesang, Geschrei und tiefen Growls. Zwischendurch kommt ein bisschen Death Metal Feeling auf und das Ganze mündet in ein nackenbrecherisches Doublebass-Blast-Schredder-Dingsbumsinferno. Ein herrlich herzerfrischendes, irres Stück Musik. „The Wave“ hebt sich ebenso wie „War Boy“ vom restlichen Album ab. Das Tempo wird radikal zurückgenommen – nach „Aftersound“ muss man auch dringend ein wenig durchatmen. Der Beginn von „The Wave“ wirkt positiv melancholisch und entspannt. Näveris Stimme rollt tief und ruhig über uns hinweg begleitet von cleanem Gitarrensound und zurückgenommenen Drums. Nach einem Break entwickelt sich der Song kraftvoll und stampfend, Samuli zeigt, was er abseits des Üblichen drauf hat und das Ganze endet mit einer kleinen gepfiffenen Melodie.

„Ooka“ bietet auf jeden Fall das, was man von einem Profane Omen Album erwartet: volle Kanne auf die Fresse. Da bin ich schon voll zufrieden. Mörder Breakdowns, hereinbrechende Tempowechsel, Blastbeats und Doublebassparts und hals-, beziehungsweise fingerbrecherische Gitarrensoli dürfen natürlich keinesfalls fehlen – und auch da liefern die Groove Metaller voll ab. Doch sie gehen noch darüber hinaus. Samuli überrascht immer wieder mit kleinen Raffinessen und Jules‘ Stimme wird mit den Jahren offenbar immer wandelbarer. Herrlich, wie er Stimmungen in einem Song transportiert. Gut. Es gibt auch so ein bis zwei kleine Schwächen. Die ersten drei Songs sind alle nach einem ähnlichen Muster gestrickt – und der letzte Song „The Tide“ ist mir irgendwie zu poppig und zu hm…einfach zu hm… Aber trotzdem ist das Album absolut hörenswert. Also: legt euch das Album und ne Halskrause zu, denn die werdet ihr nach dem Hören mit Sicherheit brauchen.

Youtube Channel von Profane Omen: https://www.youtube.com/channel/UCtvbwm1K1Gyz05QQPNqJdKQ


Tracks:
1. They Came For Us
2. Make It Count
3. One Man Show
4. Terminal Dysfunction
5. War Boy
6. White Noise
7. Aftersound
8. The Wave
9. The Tide

Band:
Jules Näveri (Gesang)
Williami Kurki (Gitarre)
Antti Kokkonen (Gitarre)
Tomppa Saarenketo(Bass)
Antti Seroff (Bass)
Samuli Mikkonen (Drums)

Die schnelle Dröhnung: Diluvium von Obscura

Technical/Progressive Death Metal
Veröffentlicht: 13.07.2018
Relapse Records
https://www.realmofobscura.com/


In der Rubrik „Die schnelle Dröhnung“ findet ihr ab sofort Rezensionen, die etwas kürzer als die üblichen Albumrezensionen ausfallen. Man könnte sie auch „Reingehört“ nennen, aber das klingt natürlich nicht so cool. Den Auftakt machen Obscura mit „Diluvium“.

Ein Albumzyklus neigt sich dem Ende. Mit „Diluvium“ veröffentlichen die Landshuter Technical Death Metaller von Obscura zehn Jahre nach dem Start des Zyklus mit „Cosmogenesis“ und zwei Jahre nach der Veröffentlichung ihres letzten Albums „Akroasis“ nun den letzten Akt. Und der hat wirklich Vieles zu bieten, was das Metaller Herz begehrt. Natürlich haben Obscura das im Gepäck, was wir von ihnen kennen: Technische Versiertheit und Brillianz, vielschichtige und komplexe Songstrukturen und herrliches Gefrickel – jaja, ich weiß das mag nicht jeder. Darüberhinaus bietet „Diluvium“ aber noch viel mehr. Obscura beweisen, dass sie auch eingängig und melodisch können. Mal wird es melancholisch, mal spacig, mal groovt es jazzig, mal wird es nachdenklich und ruhig („Mortification of the Vulgar Sun“, „Ekpyrosis“), mal bekommen wir böse auf die Fresse („Diluvium“, „Clandestine Stars“). Die rasend schnellen Gitarrensoli sind  ein Ohrenschmaus und Linus Klausenitzers Fretless Bass-Passagen machen Spaß und widerlegen eindrucksvoll das Vorurteil, dass Bassisten das Instrument nur vor die Kaffeeflecken auf ihrem T-Shirt halten. Growls und Vokoder-Gesang runden die Songs harmonisch ab. Auch für „Diluvium“ gilt also: Es gibt wahnsinnig viel zu entdecken. Auf jeden Fall mehrfach hören!

YouTube Channel von Relapse Records: https://www.youtube.com/channel/UC_E54fzF2BPsy7Ig4aDygWA


Tracks:
1. Clandestine Stars
2. Emergent Evolution
3. Diluvium
4. Mortification of the Vulgar Sun
5. Ethereal Skies
6. Convergence
7. Ekpyrosis
8. The Seventh Aeon
9. The Conjuration
10. An Epilogue to Infinity
11. A Last Farewell (Bonus Track)

Band:
Steffen Kummerer (Gitarre, Gesang)
Rafael Trujillo (Gitarre)
Linus Klausenitzer (Bass)
Sebastian Lanser (Drums)

Perfekte Symbiose aus Doom und Heavy Metal – Desolation von Khemmis

Epic Doom/Heavy Metal/NWoBH
Veröffentlicht: 22.06.2018
Nuclear Blast Records
http://khemmisdoom.com/


Ich hatte ja die grandiose Idee, das Sommerloch mit ein paar wertvollen und wirklich verblüffenden Life Hacks zu füllen. Und davon hätte ich ein paar wirklich gute auf Lager gehabt: 1. Wenn du ein Bild aufhängst und den Betonstaub mit dem Staubsauger einsaugen willst, hilft es, wenn du nicht nur das Rohr hinhältst, du musst auch noch einschalten, sonst rieselt das ganze Zeug doch glatt trotzdem auf den Boden. 2. Halte dich im Urlaub von Menschen fern. Besonders von Bauarbeitern, die ein Zimmer neben dir haben und um 5 Uhr aufstehen. Ich könnte jetzt noch ewig so weitermachen, aber zum Glück habe ich etwas Besseres gefunden, über das ich schreiben kann: das neue Album von Khemmis.

Die Herren aus Colorado galten bisher immer noch als Geheimtipp, sind aber mit ihrem neuen Album „Desolation“ auf dem besten Wege das zu ändern. Mit ihrem Mix aus Doom Metal und klassischem Heavy Metal mit einem kräftigen Schuss NWoBH lassen sich Khemmis nur schwer in irgendeine unserer so geliebten und wohlgeordneten Schubladen stecken – und das ist genau das, was mir an ihrer Musik so richtig gut gefällt. „Desolation“ bietet uns sechs facettenreiche Songs. Der Opener „Bloodletting“ gibt die Marschrichtung gleich gut vor. Schwere, doomige Gitarrenriffs, die eine zwielichtige Grundstimmung schaffen, klassische Heavy Metal Melodie, die das Ganze auflockert und nicht zu düster werden lässt. Natürlich darf das passende NWoBH Solo nicht fehlen. Die Krone setzt dem Ganzen Phil Pendergasts wunderbare Stimme auf, die mal klar und hell über allem thront, mal fies zischt und faucht. Auch die anderen fünf Songs bewegen sich in diesem Rahmen. „Seer“ beginnt herrlich schwer und drückend, überzeugt durch Pendergasts glasklare Cleanstimme gepaart mit bösartigem Gefauche, das eine schwarzmetallische Note hinzufügt, und träumerischer Melodie. Die größten Kracher auf dem Album sind für mich allerdings „Maw of Time“ und „From Ruin“. „Maw of Time“ ist stimmlich dermaßen intensiv, dass es echt an die Nieren geht. Von Cleangesang über tiefe Growls bis hin zu Blackmetalgekeife wird alles geboten. Das Tempo ist gemächlich – und wird dann nach fünf von sieben Minuten noch gemächlicher. Schwere Gitarren, Wummerbass gepaart mit Gekeife und Grummelgrowls. Woooooh. Schließlich jaulende Gitarren. Herzklopfen. Gänsehaut. Ehrlich mal. Auch „From Ruin“ geht gemächlich los, legt aber zur Mitte hin kurzfristig eine Schippe drauf. Die Finger flitzen übers Griffbrett und versetzten den Hörer in wahre Verzückung. Ja, sie flitzen immer noch getragen, aber sie flitzen. Heavy Metal mit wunderbarer Dramatik, Melodie, Pathos und Herzschmerz entfaltet sich in unseren Ohren, ohne kitschig, klischeehaft oder abgedroschen daherzukommen. Eine ruhige cleane Passage haben die Jungs auch noch eingeschoben. Zum Heulen schön. Der Text passt in seiner mitreißenden Verzweiflung meisterlich zur Musik. „From Ruin“ bietet für mich die perfekte Symbiose aus Doom und Heavy Metal.

Ich kann nur sagen: ran an das Album! Khemmis spielen eine wahnsinnig geile Kombi aus Doom und klassischem Metal. Ihre Musik ist offen, modern und qualitativ hochwertig und passt nicht wirklich in eine Schublade – oder eben in sehr viele Schubladen. Das mag den einen oder anderen irritieren. Ich finde es sehr erfrischend wie Khemmis Altes abstauben und in Ehren halten und Neues hinzufügen und kombinieren. Zum Beispiel die Anleihen aus dem Black Metal passen in die Songs wie die Faust aufs Auge. Mir gefallen die schweren doomigen Parts, die dunkel und zwielichtig sind, aber nie in die große, allumfassende Düsternis und Verzweiflung abgleiten. Mir gefallen die Dramatik und der Pathos des klassischen Heavy Metal, die aber nie kitschig oder drüber sind. Die Songs sind alle keine Tempomonster und dennoch leben sie auch von ihren Tempowechseln. Dann ist da noch die Stimme von Phil Pendergast, die unglaublich schön, ergreifend und wandelbar ist und jedem der sechs Songs einen unverwechselbaren Touch verleiht und die Krone aufsetzt.

YouTube Channel von Nuclear Blast Records: https://www.youtube.com/channel/UCoxg3Kml41wE3IPq-PC-LQw


Tracks:
1. Bloodletting
2. Isolation
3. Flesh to Nothing
4. The Seer
5. Maw of Time
6. From Ruin

Band:
Ben Hutcherson – Gitarre, Gesang
Phil Pendergast – Gitarre, Gesang
Daniel Beiers – Bass
Zach Coleman – Drums

Song des Monats 06/18

Wir starten nachdenklich in die Woche. Muss ja zwischendurch auch mal sein. „Warboy“ heißt er, der Song des Monats. Er wird sich auf dem neuen Album der finnischen Groove Metaller Profane Omen befinden, das Anfang September erscheint. Ich bin schon sehr gespannt auf die neue Scheibe. Mit „Warboy“ beweisen die Finnen, dass sie die vier Jahre seit dem letzten Album nicht nur damit verbracht haben seltsame Bilder zu posten – obwohl das natürlich durchaus auch sehr wichtig ist, ohne Frage.

„Warboy“ ist ein ernster, nachdenklicher Song, der das Thema Krieg behandelt. Wofür ziehen Menschen in den Krieg? Wollen sie das wirklich selbst oder sind sie gezwungen? Geht die anfängliche Begeisterung ganz schnell verloren, wenn der Krieg sein widerliches Gesicht zum ersten Mal ganz real offenbart? Und schließlich die Frage „Hat sich das nun alles gelohnt?“ „Kannst du nachts noch schlafen?“ Das Thema ist auf keinen Fall neu, doch leider immer noch aktuell, und ich finde, Profane Omen transportieren es gut. Einem ruhigen, instrumental akustischen und stimmlich cleanen Beginn, der mit einem Seufzer endet, folgt eine aufrüttelnde Shoutattacke, untermalt von einem zurückhaltenden Gitarrenriff. Der Wechsel zwischen Clean- und Shoutstimme zieht sich durch den Song und im letzten Drittel geben die Herren nochmal richtig Gas – untermalt von Schussgeräuschen und mit der Frage versehen: „Do you like what you see?“ Sehr gelungen. Übrigens haben sich Profane Omen für den Song stimmliche Unterstützung von Markus Toivonen (Ensiferum), Mathias Lillmåns (Finntroll), Jonne Järvelä (Korpiklaani) und Ville Sorvali (Moonsorrow) geholt. „Warboy“ hat mich neugierig gemacht, auf das neue Album „Ooka“. Vielleicht geht es euch auch so?! Viel Spaß jedenfalls beim Hören – und beim Sehen, das Video ist sehr künstlerisch.

Quelle: YouTube Channel von Profane Omen https://www.youtube.com/channel/UCtvbwm1K1Gyz05QQPNqJdKQ

Song des Monats 05/18

Der Monat Mai steht ganz im Zeichen von Amorphis und ihrem neuen Album „Queen of Time“. Der Song des Monats heißt deshalb „The Bee“. Der Song ist progressiv und archaisch-geerdet zugleich. Einerseits wartet er mit einem wuselig-flirrenden Synthiriff, orientalischen Klängen, Chorgesang und Orchesterarrangement auf. Dann kombinieren die Finnen dazu aber den Kehlkopfgesang von Albert Kuvezin und Joutsens dunkle Growls und verleihen dem Ganzen so eine gewisse Erdung, etwas Schamanistisches, sogar eine gewisse Rohheit. Die steht wiederum in reizvollem Gegensatz zum sirenenhaften Gesang einer weiblichen Stimme und zu Chor und Orchester. Die Synthis sorgen für eine weltentrückte Stimmung, die kraftvollen Gitarren holen das Ganze wieder zurück auf den Boden. Man denkt, all das kann nie zusammen funktionieren. Tut es aber doch! Viel Spaß beim Hören!

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Ein Hauch von Vergänglichkeit und Ewigkeit – Queen of Time von Amorphis

Melodic Death Metal/Dark Metal/Progressive Metal/Folk Metal
Veröffentlicht: 18.05.2018
Nuclear Blast Records
http://amorphis.net/


Queen of Time

Queen of Time

Donnerstagnachmittag. Im Briefkasten liegt das neue Album „Queen of Time“ von Amorphis. „Yippie“, denke ich mir. Das Tagwerk ist bereits erledigt, genug Zeit  und Ruhe also, um gleich mal reinzuhören. Schon die Hülle ist zum Sterben schön und ich verweile einige Zeit in andächtiger Betrachtung. Ich lege die Scheibe ein und drücke auf „Play“, flacke mich aufs Sofa und schließe die Augen. Die ersten Töne erklingen. Schöööön. „Ding-dong“. Dieses Türklingelgeräusch gehört definitiv nicht zum Konzept des neuen Werks der Finnen. DHL liefert die neue Garderobe. Kurz kämpfe ich mit mir, doch die nörgelnde Stimme des Pflichtbewusstseins siegt und ich höre „Queen of Time“ nicht auf dem Sofa, sondern während ich die neue Garderobe zusammenschraube. Und was soll ich sagen – ich musste wirklich aufpassen, dass ich mir vor lauter Begeisterung und Glückseligkeit nicht in den Finger dremle.

Das 13. Studioalbum von Amorphis entstand, wie schon das Vorgängeralbum „Death of a King“, in Zusammenarbeit mit Produzent Jens Bogren. Seine Handschrift ist auf „Queen of Time“ unverkennbar und man muss wirklich sagen: Amorphis und Bogren, das passt wie Arsch auf Eimer. Das Album ist noch einen Tick progressiver und epischer als sein Vorgänger und trotzdem absolut Metal. Es klingt definitiv wie die logische Weiterentwicklung von „Death of a King“. Neben bekannten Elementen wie der Flöte (Chrigel Glanzmann von Eluveitie), folkigen oder orientalisch anmutenden, eingängigen Melodien und Killerriffs, bietet „Queen of Time“ uns den Auftritt von Saxofonist Jørgen Munkeby und von Texter Pekka Kainulainen, der in „Daughter of Hate“ einige Worte spricht. Dazu kommen Chorgesang und Orchester. Außerdem stehen Keyboarder Santeri Kallio und sein Instrument deutlich mehr im Vordergrund als noch zuvor. So übernimmt er häufiger das Hauptriff und es gibt auch das ein oder andere Keyboardsolo. Aber natürlich kommen auch die Gitarren der Herren Holopainen und Koivusaari nicht zu kurz.  Inhaltlich geht es laut Gitarrist Esa Holopainen um „Kosmische Mächte, an die die Menschen vor langer Zeit glaubten, vom Aufstieg und Fall der Kulturen. Sie (die Biene, Anm. T!B!B!) steht für den Mikrokosmos, der dennoch kataklysmische Veränderungen auslösen kann. Der Fall von Weltreichen, der von einem kleinen sprießenden Samen eingeläutet wird. Der Schmetterling, der einen Hurrikan auslöst.“ So erklärt er das Albumcover.

Es fällt mir wirklich schwer einzelne Songs hervorzuheben, denn jeder von ihnen geht ins Ohr und setzt sich dort unerbittlich fest. Der Opener „The Bee“ startet mit einer sphärischen Frauenstimme, doch ruckzuck donnert Tomi Joutsen mit einem brachialen Röhrer mit Macht dazwischen. Ein Refrain, der hängenbleibt, gesellt sich dazu und ein wuseliges Keyboardriff begleitet alles und verbreitet ein Flair nicht von dieser Welt. In reizvollem Gegensatz zur Progressivität steht der Kehlkopfgesang von Albert Kuvezin und bringt eine schamanistisch-archaische Note in den Song ein. Zu meinen persönlichen Höhepunkten des Albums zählen jedoch „Message in the Amber“, „Daughter of Hate“, „Heart of the Giant“ und „Grain of Sand“. „Message in the Amber“ beginnt mit einer leichten, folkigen, verträumten Gitarrenmelodie und Joutsens sanftem, melancholischem Gesang, bevor er seine Growls aus den tiefsten Tiefen auspackt und uns unvermittelt eine ordentliche Packung verpasst. Chor und Orchester verleihen dem Song eine ganz eigene, wunderschöne Erhabenheit, die durch die Verzerrung der Stimmen hier und da einen leicht spacigen Einschlag bekommt. Gleichzeitig ist „Message in the Amber“ sehr druck- und kraftvoll. „Sister of hate“ startet mit einem knappen Orgeleinstieg und Joutsens zartschmelzender Stimme. Doch dann wird es schnell schwarzmetallisch. Fiese Screams zischen uns entgegen. Das Saxofonsolo hätte ich jetzt nicht gebraucht – traue nie einem Instrument, das aus Metall besteht, sich aber immer noch als Holzblasinstrument ausgibt. Nee, mag ich einfach nicht. Aber das ist Geschmacksache. Kombiniert mit einem wunderbar melancholischen Gitarrenriff und ein bisschen Chorgesang ergibt sich eine reizvolle Mischung aus Aggressivität, Melodik und Melancholie. Mit diesem Gegensatz spielen Amorphis ohnehin sehr gern und sehr gekonnt. Auch „Heart of the Giant“ bedient sich dieses Stilmittels. Einem verträumten Gitarrenintro folgen kraftvolle Streicher, energischer, aufpeitschender Chorgesang und ein Gitarrenriff wie aus dem Märchenbuch. Der Refrain wird getragen von Joutsens melancholischem Klargesang und seinen druckvoll herausgehauenen Growls. Ergänzt wird das Ganze durch ein Keyboard- und ein Gitarrensolo. Der ganze Song ist sehr energiereich und entfaltet eine cineastisch anmutende Kulisse. „Grain of Sand“ wirkt dagegen wieder roh, archaisch, bedrohlich und bodenständig, spielt aber ebenfalls mit den genannten Gegensätzen. Ein Duett bietet das Album auch noch. In „Amongst Stars“ umschmeicheln sich die Stimmen von Gastsängerin Anneke van Giersbergen und Tomi Joutsen und ergeben ein stimmiges Ganzes.

Amorphis haben wieder einmal ein Mörderding rausgehauen. Die Kombi aus flirrenden Synthiklängen, mal verträumt-melancholischen, mal aggressiv-druckvollen Gitarrenriffs, folkigen und orientalischen Melodien ist einfach nur gelungen. Auch wenn man die ein oder andere Kombi schon mal gehört hat, wirkt nichts an dem Album aufgewärmt und wiedergekäut. Orgel, Chor und Orchester verleihen den Songs eine Erhabenheit und Schönheit, die das Herz schneller schlagen lässt. Elemente wie der gesprochene Text in „Sister of Hate“, Albert Kuvezins Kehlkopfgesang oder Glanzmanns Flöte fügen einen schamanistisch-archaischen Touch hinzu. Und dann ist da natürlich noch Joutsens Ausnahmestimme. Ob fiese Screams, dunkle, bellende Growls, gequälter, schmerzerfüllter oder melancholischer, glasklarer Klargesang – Joutsen zieht einen unweigerlich in seinen Bann und treibt einem beinahe die Tränen in die Augen vor Begeisterung. Der Mann könnte „Alle meine Entchen“ growlen, würde dabei immer noch Begeisterungsstürme auslösen und nichts von seiner Würde einbüßen. Das Konzept vom Aufstieg und Verfall wird durch die Musik zur Gänze transportiert. Aus jedem Ton klingt ein Hall von Ewigkeit, etwas aus der Zeit Gehobenes, das über allem steht.


Tracks:
01. The Bee
02. Message In The Amber
03. Daughter Of Hate
04. The Golden Elk
05. Wrong Direction
06. Heart Of The Giant
07. We Accursed
08. Grain Of Sand
09. Amongst Stars
10. Pyres On The Coast

Band:
Tomi Joutsen (Gesang)
Esa Holopainen (Gitarre)
Tomi Koivusaari (Gitarre)
Santeri Kallio (Keyboards)
Olli-Pekka „Oppu“ Laine (Bass)
Jan „Snoopy“ Rechberger (Drums)

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Song des Monats 04/18

Obscura haben mir live als Vorband von Sepultura so gut gefallen, dass der Aprilsong „Ten Sepiroth“ heute von den Landshuter Technic Death Metallern kommt. Ihr findet den Song auf dem wirklich großartigen Album „Akróais“, das 2016 veröffentlicht wurde. Dort trifft Rationalität auf Metaphysik, sturkturierter Technical Death Metal auf progressive Elemente. Alles dreht sich ums Universum und seine Schwingungen und um Eschatologie.

In „Ten Seprioth“ geht es um das Hervorgehen der verschiedenen Schöpfungsphasen aus dem Einen. Es geht um Licht, um Gegensätze, um hell und dunkel, männlich und weiblich. Ich habe das jetzt mal sehr laienhaft zusammengefasst. Wer sich näher mit dem Thema befassen möchte – fragt bloß nicht mich!

A crown, created with divine will
An infinite light of the creator

Through wisdom, from nothingness, a first revelation
An unbound flash widespread, sheer cataclysm

A vessel, made of comprehension
To give it grasp, of breadth and depth

Ten Sepiroth – A central state of unity
Ten Sepiroth – Amanations pure creation

Upholding the heavens, saturating the stars
In splendor bright glory, deliverance ascends
Sustaining the cosmos, a maelstrom of spirits
In newborn distress, emblazed sparkling spheres

Loving grace of inspiring vision
Withhold this victory in mere sincerity
To envision the concentric circles
Conscious alone the heretic

Through wisdom, from nothingness, a first revelation
An unbound flash widespread, sheer cataclysm
Ten Sepiroth – A central state of unity
Ten Sepiroth – Emanations pure creation

Bevor sich das Hirn jetzt vollends verknotet, wenden wir uns lieber der Musik zu. Der Song beginnt mit einem cleanen Gitarrenintro mit Bassuntermalung, nimmt dann aber recht schnell Fahrt auf und verpasst uns den Tritt in den Hintern, den wir gelegentlich brauchen. Rafael Trujillos Finger flattern Schmetterlingsflügeln gleich über das Griffbrett, das Schlagzeug bläst uns die Perücke weg und der Bass sorgt dann wieder für ein wenig Entspannung. Ein paar schöne Harmonien gibts auch noch und am Ende driftet der Song unbestimmt aus. Und weil es Spaß macht den Herren bei ihrer Arbeit zuzusehen, nutzen wir doch die Chance, dass es zu „Ten Sepiroth“ mehrere Videos gibt und betrachten den Song von allen Seiten genau. Sehr wissenschaftlich, oder? Viel Spaß!

YouTube Channel von RealmOfObscura: https://www.youtube.com/channel/UCVwhh7xGEaImvjBsdjQbe0w

YouTube Channel von RealmOfObscura

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Heathen Crusade Tour. Moonsorrow in Ludwigsburg.

Ville Sorvali, Gesang und Bass, Moonsorrow

Ville Sorvali, Gesang und Bass, Moonsorrow

Wir schreiben das Jahr 2018. Eine Horde Finnen und Iren brach in den ersten warmen Tagen des Aprils zu einem heidnischen Kreuzzug durch Europa auf. Moonsorrow und Primordial riefen ihre Anhänger auf, ihnen zu folgen. Und so bestiegen auch wir unser Stahlross, verließen unser kleines Dorf, in dem wir momentan im Exil leben, und ritten gen Rockfabrik Ludwigsburg, um Moonsorrow zu sehen. Gut, laut unserer Eintrittskarte handelte es sich zwar um die „Heaven Crusade Tour“ statt um die „Heathen Crusade Tour“, aber Fehler passieren nun mal, und wir ließen uns nicht verwirren und auf Irrwege leiten.

Nikita Kamprad, Gesang und Gitarre, Der Weg Einer Freiheit

Nikita Kamprad, Gesang und Gitarre, Der Weg Einer Freiheit

Um 19.30 Uhr eröffneten Der Weg einer Freiheit mit „Einkehr“ den schwarzmetallischen/paganmetallischen Abend. Ich kannte die Jungs vorher nicht und muss sagen, gefiel mir sehr gut, was da geboten wurde. Melodischer Progressive Blackmetal. Sehr meditativ. Häufig stand ich einfach nur mit geschlossenen Augen da und ließ alles auf mich einregnen. Auch Bassist Nicolas Ziska pendelte mit seinem Bass bisweilen entspannte 10 Zentimeter über dem Boden. Aber Vorsicht! Ich möchte an dieser Stelle eine dringende Warnung aussprechen: Zu tiefes Bangen in der ersten Reihe ist schlecht für die Zähne! „Einkehr“ folgten „Skepsis, Part I“, „Zeichen“ und „Requiem“. Den Auftritt beschloss „Aufbruch“. Mir gefiel der Wechsel zwischen entspannten, melodiös-ruhigen Passagen und brachialen Blackmetal Tremolo Picking – Doublebass Blastbeat Wänden, die einen gnadenlos an die Wand bliesen, sehr gut. Die Lichtshow war perfekt darauf abgestimmt, so dass man bald nicht mehr so richtig wusste „Bin ich das? Oder bin ich der Typ neben mir?“ Allerdings entwickelten wir die schlüssige These, dass das Blitzlichtgewitter hauptsächlich dazu diente, die lila Gitarre von Gitarrist Nicolas Rausch zu kaschieren – oder war sie doch schwarz? Wer weiß… Nach dem Auftritt wurde ich noch auf ein Problem aufmerksam, mit dem sich viele Blackmetal Bands herumschlagen müssen – die Zeit. Auf den Hinweis eines Fans, dass es schade sei, dass Der Weg einer Freiheit Teile eines Songs ausgelassen hätten, antwortete Bassist Nicolas Ziska, man habe schließlich nur 45 Minuten. Ja – das reicht halt mal grad für 1 1/4 Songs bei manchen Bands.

Der Weg Einer Freiheit, Rockfabrik Ludwigsburg

Der Weg Einer Freiheit, Rockfabrik Ludwigsburg

Die Umbaupause gestaltete sich zur Nervenprobe. Im Hintergrund wurde die Tonspur einer finnischen Soap eingespielt. Zumindest klang es so. Eine männliche Stimme jammerte, flehte und lamentierte – und strapazierte die Nerven aufs Äußerste. Damit sollte wohl sichergestellt werden, dass alle Weicheier, die dieser Folter nicht standhielten, den Raum verließen. Sie sind des Kreuzzuges nicht würdig. Eisern hielten wir durch. Die Hosen der Crew pendelten zwischen „How low can you go“ und „Hang ‚Em High“. Schnell wurde noch eine Art schwarzes Pümpelbecken an den Drums befestigt. Der uns von anderen Konzerten wohlbekannte Roadie „Mathias“ (wir nennen ihn so – vermutlich heißt er wie jeder anständige Finne Mika oder Klaus Kevin) checkte Drums und Mikros und hängte noch schnell eine kleine Gardine ums Schlagzeugpodest auf. Das sorgte für eine heimelige Atmosphäre. Leider verzichtete er aber auf die Geranienkästen. Und dann trat SIE in mein Leben. Eine handgefertigte, finnische Ruokangas Custom V in rot. Was für eine Schönheit.

Mitja Harvilahti, Gitarre, Moonsorrow

Mitja Harvilahti, Gitarre, Moonsorrow

Nach einigen Unstimmigkeiten beim Gitarrencheck und einem ausgiebigen Test der Nebelmaschine – hüstel -, enterten Moonsorrow mit ihren üblichen blutbeschmierten Gesichtern endlich die Bühne. Und mit ihnen natürlich die Ruokangas Custom V, die praktischerweise direkt vor meiner Nase schwebte. Zusammen mit ihrem Besitzer Mitja Harvilahti. Die Finnen eröffneten ihren Auftritt mit „Pimeä“. Am Funksender von Gitarrist Janne Perttilä musste noch ein wenig gebastelt werden, aber dann konnte auch er ordentlich Gas geben. Verfolgt von Mathias‘ besorgtem Blick. Es folgten „Ruttolehto“, „Suden Tunti“ und „Kivenkantaja“. Zu meiner persönlichen Freude spielten Moonsorrow auch „Mimisbrunn“. Was für ein Wahnsinnssong. Laut Sänger und Bassist Ville Sorvali ein Song zum Relaxen. Ich war und bin wieder einmal begeistert von Moonsorrow und ihrer Bühnenpräsenz und Spielgewalt. Man wird unweigerlich angelockt, mitgerissen, eingesogen. Harvilahti fegte über die Bühne wie ein wild gewordenes Irrlicht, animierte das Publikum oder poste erhaben über unseren Köpfen, die rote Gitarre majestätisch nach vorne gereckt. Manchmal stand er dann wieder minutenlang da und sang und spielte mit geschlossenen Augen – völlig versunken in der Musik. Auch Perttilä hat eine ganz eigene Ausstrahlung. Er erinnerte mich jedes Mal an eine der verrückten Figuren aus den russischen Märchen. Mal wackelte er wie eine Marionette durch die Gegend und grinste dabei hintergründig, mal feuerte er das Publikum an. Und dann ist da noch Ville Sorvali. Sein Krächzen und Zischen ging durch Mark und Bein. Sein Gesicht, mal schmerzerfüllt, mal gequält. Sein Blick so intensiv, so vernichtend, dass man unweigerlich in Gedanken die eigenen Verfehlungen der letzten Tage durchgeht. Er würde sich auch als Lehrer gut machen. Man spürt einfach vom ersten Ton an, dass er seine Musik mit jeder Faser seines Körpers lebt. Es folgte ein Geburtstagsständchen des Publikums für Keyboarder Markus Eurén. Um nicht zu viel unpassende Fröhlichkeit aufkommen zu lassen, verkündete Sorvali dann, dass wir alle irgendwann sterben müssen. Er, Markus, das Publikum – wir alle. Es folgte „Kuolleiden Maa“, der Song über das Land der Toten. Mit dieser optimistischen Zukunftsaussicht verließen Moonsorrow dann auch die Bühne. Wie? Sechs Songs und 1 1/4 Stunden schon um? Ein wirklich intensives, mitreißendes Konzert. Meditativ, aufpeitschend, aufwühlend, musikalisch exzellent. Wenn ihr die Chance habt, die Finnen einmal live zu sehen – ergreift sie! Es lohnt sich wirklich! Die Gardine wurde vom Drumpodest entfernt und zusammengeknüllt – aber das wird Mathias mit seinem Reisebügeleisen sicher wieder richten.

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