„Ohne Musik würde ich nur jammern/sterben/explodieren.“ – Interview mit A Dance In Yellow

Wohooo. Interviewtime. Heute erfahrt ihr Spannendes über Jonas Werling aka A Dance In Yellow und sein neues Album „Madness and Blood“. Da geht es ja viel um Grusel und Horror und da ich Jonas nach seinem gruseligsten Erlebnis gefragt habe, möchte ich hier nun auch meines zum Besten geben. Ich saß nachts mit einer Freundin in unserem beschaulichen Dörfchen auf einer Mauer und wir quatschten. Plötzlich hörten wir schleppende, schlurfende Schritte, die sich langsam näherten. Erst versuchten wir es zu ignorieren – kann ja nix Schlimmes sein pfff – dann wurde die Angst übermächtig und wir flüchteten wie von wilden Hunden gehetzt zu meiner Freundin nach Hause, da sie glücklicherweise in der Nähe wohnte. Jo, hab dann auch spontan dort übernachtet. Nach dieser Heldengeschichte aber zurück zum Interview. Jonas beantwortet unter anderem die Frage, warum er dem Spiel „Eldritch Horror“ ein ganzes Album gewidmet hat, wie die Aufnahmen zum Album so gelaufen sind und wie er auf die Ideen zu seinen Songs kommt. Und was hat eigentlich ein Schweineherz mit alldem zu tun? Na, neugierig geworden? Dann rein ins Interview! Und falls ihr das Review zum Album „Madness and Blood“ von A Dance In Yellow noch nicht gelesen habt – hier geht’s lang. Es lohnt sich! (English version below)

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T!B!B!: Wann und wie ist dein Projekt „A Dance In Yellow“ entstanden und wie bist du auf den Namen gekommen?

A Dance In Yellow: Erste Songs zu „A Dance In Yellow“ entstanden 2018. Damals war ich sehr beeindruckt von Bands wie Inferi, und wollte mich auch an Technical Death Metal (oder etwas Ähnlichem) versuchen. Das Ergebnis dieser Bemühungen war dann „The Cracks in the Wall“, eine erste Sammlung von dann doch eher atmosphärischen Death Metal-Songs. Für einen dieser Songs erfand ich den Namen „A Dance In Yellow“, als Referenz zu dem König in Gelb aus der gleichnamigen Kurzgeschichtensammlung von Robert W. Chambers. Und diesen Namen fand ich dann für das Projekt so passend, dass ich ihn übernommen habe.

T!B!B!: Wieso hast du dich für ein Einmann Projekt entschieden und nicht für eine „normale“ Band?

A Dance In Yellow: Das hat vor allem damit zu tun, dass ich seit Jahren selbst für mich Musik schreibe und aufnehme. A Dance In Yellow ist als Soloprojekt entstanden und ich hatte nicht die Zeit und/oder den Willen, mir eine ganze Band zusammenzusuchen. Auch aus Angst, dass ich meine eigene Vision nicht so umsetzen können würde, wie ich mir das wünsche. Es war eher ein Projekt für mich, an dem ich wachsen und mehr über die Musik lernen konnte, die ich machen will.

T!B!B!: Dein neues Album „Madness and Blood“ ist ein Konzeptalbum. Welches Konzept steckt denn dahinter?

A Dance In Yellow: Das Vorgänger-Album „The Cracks in the Wall“ hatte viel Bezug zu Lovecraft’schen Werken, teilweise mit Originalzitaten. Das lag vor allem daran, dass mir das Brettspiel „Eldritch Horror“ sehr gut gefällt und eine große Fülle an fantastischem Material auf sehr anschauliche und atmosphärische Weise vermittelt. Das hat bei mir großen Eindruck hinterlassen, und ich wollte unbedingt ein „richtiges“ Konzeptalbum zu dem Spiel machen. Dieses Konzeptalbum wurde dann „Madness and Blood“. Ich habe mich stark an dem Spiel orientiert, auch am chronologischen Ablauf einer Partie, und habe versucht möglichst gut zu vermitteln, wie großartig seine Atmosphäre gestaltet ist.

T!B!B!: Welche Bedeutung hat das Spiel „Eldritch Horror“ für dich? Wieso hast du es als Thema für ein ganzes Album ausgewählt?

A Dance In Yellow: Ich liebe total, wie viele Details, wie viel Atmosphäre in dem Spiel steckt. Es schafft eine extrem gute Balance aus Bewegung im Gameplay, ohne an Erzählkraft zu verlieren. Außerdem ist es ein pures „Koop“-Spiel, nicht wie viele andere Spiele in denen man gegeneinander spielt. Die Spielenden gewinnen oder verlieren zusammen, müssen entsprechend gemeinsame Strategien entwickeln und werden unweigerlich verlieren, wenn sie nicht zusammenarbeiten. Das Spiel hat mich ernsthaft geprägt, in dem Sinn, dass es mir einige sehr schöne Erinnerungen geschaffen hat.

T!B!B!:  Was ist das Schaurigste, Gruseligste, das du je erlebt hast?

A Dance In Yellow: Ich war mal für Requisitenbeschaffung (für einen Monolog, den ich gespielt habe) in so einem Schlachthauskomplex. Da konnte man direkt angrenzend an den Schlacht/Fleischerei-Bereich Tierteile kaufen, ich brauchte ein Schweineherz (weil es sehr ähnlich aussieht wie ein Menschenherz). Das gab es dort sehr günstig zu kaufen, aber ich musste natürlich da rein. Ich habe zum Glück keine Todesschreie gehört – aber die Kreissäge im Nebenraum. Vermutlich wurde damit grade ein Brustkorb aufgesägt oder so. Dieses Geräusch, das verfolgt mich bis heute.

T!B!B!: Wie schreibst du deine Songs? Wie kommst du auf die Ideen?

A Dance In Yellow: Oft bilden Ideen/Themen die Basis meiner Songs. Ich denke über ein Thema nach, suche nach Konzepten, und probiere dann entweder textlich oder an meiner Gitarre herum bis ich ein Riff oder eine Melodie habe, die meiner Meinung nach zu dem Thema passt. Bei manchen Songs wie „The All-Devouring“ habe ich mehr mit Struktur angefangen und versucht zu erspüren, wie schnell/komplex/stark welcher Teil sein muss, während Songs wie „Boon of the Ancients“ erstmal Riffs waren, die ich dann in Struktur gebracht habe. Wenn dann ein Grundgerüst steht, fülle ich das dann mit Begleit- oder/Leadgitarren, Keyboardparts, schaffe Übergänge. Danach bastle ich meistens Text oder Drums, ab und zu zusätzliche atmosphärische oder orchestrale Teile. Der Bass kommt immer zuletzt.

Zu den Ideen: Ich benutze meine Musik, um auszudrücken, was in mir drin ist. Durch meine Faszination und die guten Erinnerungen ist viel von Eldritch Horror in mir drin. Aber gleichzeitig ist auch viel anderes in mir drin, was sich damit mischt: Musik, die ich mag, das Bewusstsein über aktuelle Konflikte, Wut über Ungerechtigkeiten, die Angst vor einem Kollaps der Zivilisation und so weiter.

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T!B!B!: Du hast das Album komplett selbst zu Hause aufgenommen. Wie war das und welche Schwierigkeiten gab es vielleicht auch?

A Dance In Yellow: Sehr praktisch am zu Hause aufnehmen ist, dass es keinen Zeitdruck gibt. Ich musste nicht in drei Tagen alles raushauen, sondern habe im Lauf von zwei Jahren alles nach und nach aufgenommen. Durch digitale Amps konnte ich alle Gitarrenspuren verwenden, auch wenn sich meine Konfiguration zwischendurch nochmal geändert hat. Schwierig war unter anderem eben, dass ich keine festen „Bandproben“ und nicht so viel spielerische Finesse hatte. Einige Gitarrenparts haben ewig gebraucht, bis ich sie im Liedkontext sicher spielen konnte. Ich wollte unbedingt vermeiden in „Stückchen“ aufzunehmen, da ich einen organischen Sound wollte, bin jetzt aber sehr glücklich mit dem Ergebnis. Gesang aufnehmen war natürlich auch schwierig – ich wohne zwar im Dorf, wo es weniger Verkehr gibt, aber wenn der Nachbarshund bellt oder ein Traktor durchfährt, geht natürlich gar nichts. Ich musste immer einen Tag/Zeitpunkt abwarten, wo ich 1. daheim und 2. es leise genug war. Gestört hat sich an meinem Gekreisch aber scheinbar niemand, es gab keine Beschwerden.

Ich will noch kurz was zum Mixing/Mastering sagen: Ich bin total glücklich, dass ich mir die Hilfe von Angel Marcloid von Angel Hair Audio dazugeholt habe. Die hat mir nicht nur super gute Hilfestellung beim Mix gegeben, sondern auch einen phänomenalen Job beim Mastering gemacht. Das Album klingt nur wegen ihr so gut!

T!B!B!: Wird es auch Liveshows von A Dance In Yellow geben?

A Dance In Yellow:  Ich wäre super glücklich, Lieder von A Dance In Yellow live zu spielen! Aber dafür bräuchte ich eine Band – und die zu suchen, mit der zu proben, dafür fehlt mir grade glaube ich die Zeit… Mal sehen. Geil wäre es schon.

T!B!B!: Hast du musikalische Vorbilder oder Bands und Musiker, die dich inspirieren?

A Dance In Yellow: Ich muss Inferi nennen als Band, die mich hauptsächlich zu diesem speziellen Projekt inspiriert hat. Ich liebe die, die sind großartig und haben mir eine neue Art von Liebe für Musik und Metal gezeigt. Außerdem muss ich Akrea (und damit auch Aspar) nennen als großen Einfluss. Die haben mich damals mit dazu inspiriert, Metal-Vocals zu lernen. Und ich denke auch Equilibrium (vor allem das Album „Sagas„) ist eine Band, die mich stark geprägt hat, die mir wunderschönen und doch „auf die Fresse-“ Metal eröffnet haben. Und dann natürlich noch Bands wie Children of Bodom, Rhapsody of Fire, Finntroll… naja. Eine Menge!

T!B!B!: Was bedeutet Musik für dich?

A Dance In Yellow: Musik ist eine der vielen Arten, wie Menschen sicher ausdrücken können, was in ihnen drin ist. Ohne Musik würde ich nur jammern/sterben/explodieren. Ich brauche Musik um zu leben, und ich denke, das trifft auf viele Menschen zu. Hören wie machen, Musik ist für mich essenziell, existenziell.

T!B!B!: Vielen Dank für das Interview und alles Gute für dich und dein Album!


English version

Wohooo. Interview time. Today you will learn exciting things about Jonas Werling aka A Dance In Yellow and his new album „Madness and Blood“. It’s all about spooky and horror, and since I asked Jonas about his scariest experience, I’d like to share mine with you. At one night I sat with a friend in our tranquil village on a wall and we chatted. Suddenly we heard dragging, shuffling footsteps slowly approaching. First we tried to ignore it – it can’t be anything bad pfff – then the fear became overwhelming and we fled to my friend’s home as if hunted by wild dogs, because luckily she lived nearby. Yes, I spontaneously stayed there overnight. But after this heroic story, back to the interview. Among other things, Jonas answers the question of why he dedicated an entire album to the game „Eldritch Horror“, how the recordings for the album went and how he gets his ideas for the songs. And what does a pig’s heart actually have to do with all of this? Are you curious? Then jump right into the interview! And if you haven’t read the review of A Dance In Yellow’s album „Madness and Blood“ yet – here you go. Worth it!

T!B!B!When and how did your project A Dance In Yellow come about and how did you come up with the name?

A Dance In Yellow: First songs for „A Dance In Yellow“ were written in 2018. At that time I was very impressed by bands like Inferi, and also wanted to try Technical Death Metal (or something similar). The result of these efforts was „The Cracks in the Wall“, a first collection of rather atmospheric Death Metal songs. I chose the name „A Dance In Yellow“ for one of those songs, as a reference to the King in Yellow from Robert W. Chambers‘ collection of short stories of the same name. And I found this name so suitable for the project that I adopted it.

T!B!B!: Why did you choose a one-man project and not a „normal“ band?

A Dance In Yellow:  That mainly has to do with the fact that I’ve been writing and recording music for myself for years. A Dance In Yellow started as a solo project and I didn’t have the time and/or will to put together a whole band. Also out of fear that I would not be able to implement my own vision as I wish. It was more of a project for me to grow and learn more about the music I want to make.

T!B!B!: Your new album „Madness and Blood“ is a concept album. What is the concept behind it?

A Dance In Yellow: The previous album „The Cracks in the Wall“ had a lot to do with Lovecraft’s works, partly with original quotes. This was mainly due to the fact that I like the board game „Eldritch Horror“ very much and it conveys a great deal of fantastic material in a very vivid and atmospheric way. That made a big impression on me, and I really wanted to make a „proper“ concept album for the game. This concept album then became „Madness and Blood“. I followed the game closely, including the chronological sequence of a game, and tried to convey as well as possible how great its atmosphere is.

T!B!B!: What does the game „Eldritch Horror“ mean to you? Why did you choose it as a theme for an entire album?

A Dance In Yellow: I absolutely love how much detail, how much atmosphere there is in the game. It strikes an extremely good balance of movement in gameplay without sacrificing narrative power. Also, it’s a pure „co-op“ game, unlike many other games where you play against each other. Players win or lose together, must strategize accordingly, and will inevitably lose if they don’t work together. The game seriously left an impression on me in the sense that it created some very fond memories for me.

T!B!B!: What’s the scariest thing you’ve ever experienced?

A Dance In YellowI once went to a slaughterhouse complex for prop procurement (for a monologue I acted out). You could buy animal parts right next to the slaughter/butchery area, I needed a pig’s heart (because it looks very similar to a human heart). You could buy it there very cheaply, but of course I had to go in there. Luckily I didn’t hear any death screams – but the circular saw in the next room. A chest was probably just sawn open with it or something. That noise haunts me to this day.

T!B!B!: How do you write your songs? How do you come up with the ideas?

A Dance In YellowIdeas/themes often form the basis of my songs. I think about a theme, look for concepts, and then play around either lyrically or with my guitar until I come up with a riff or melody that I think fits the theme. On some songs like „The All-Devouring“ I started out more with structure and trying to sense how fast/complex/strong which part needed to be, while songs like „Boon of the Ancients“ there were riffs first and then I started to bring it into a structure. When the basic framework is in place, I fill it with accompanying or/lead guitars, keyboard parts, and create transitions. After that, I usually play around with lyrics or drums, occasionally additional atmospheric or orchestral parts. The bass always comes last. About the ideas: I use my music to express what’s inside me. Because of my fascination and good memories, I have a lot of Eldritch Horror in me. But at the same time there is a lot of other stuff inside me that mixes with it: music I like, awareness of current conflicts, anger at injustice, fear of civilization collapsing and so on.

T!B!B!: You recorded the album entirely yourself at home. How was that and what difficulties did you face?

A Dance In Yellow: One of the great things about recording at home is that there is no time pressure. I didn’t have to make everything ready within three days. I recorded everything little by little over a period of two years. Thanks to digital amps, I was able to use all the guitar tracks, even if my configuration changed again in between. One of the difficult things was that I didn’t have any fixed „band rehearsals“ and didn’t have that much playful finesse. Some guitar parts took a very long time before I could play them safely in the context of the song. I really wanted to avoid recording in „chunks“ as I wanted an organic sound, but now I’m very happy with the result. Of course, recording vocals was also difficult – I live in a village where there is less traffic, but of course nothing works when the neighbor’s dog barks or a tractor drives through. I always had to wait for a day/time when I was 1. at home and 2. it was quiet enough. Apparently nobody was bothered by my screeching, there were no complaints.

I just want to say something about the mixing/mastering: I’m so happy that I asked for the help of Angel Marcloid from Angel Hair Audio. Not only did she give me super good help with the mix, she also did a phenomenal job with the mastering. The album only sounds so good because of her!

T!B!B!: Will there be live shows from A Dance In Yellow?

A Dance In Yellow:  I would be super happy to play A Dance In Yellow songs live! But for that I would need a band – and I don’t think I have the time to look for members and rehearse with them… We’ll see. It would be cool.

T!B!B!: Do you have musical role models or bands and musicians who inspire you?

A Dance In Yellow: I have to name Inferi as the main inspiration for this particular project. I love them. They are great and showed me a new kind of love for music and metal. Also, I have to name Akrea (and therefore Aspar) as a big influence. They inspired me to learn metal vocals. And I also think Equilibrium (especially the album „Sagas“) is a band that had a strong influence on me, that opened up beautiful and yet „in your face“ Metal to me. And then of course bands like Children of Bodom, Rhapsody of Fire, Finntroll… well. A lot!

T!B!B!: What does music mean to you?

A Dance In Yellow: Music is one of the many ways people can safely express what’s inside them. Without music I would just whine/die/explode. I need music to live and I think that applies to a lot of people. Listening to music and making it is essential for me, existential.

T!B!B!: Thanks very much for the interview and all the best for you and “Madness and Blood”.

Wohlig schaurig. „Madness and Blood“ von A Dance In Yellow.

Melodic Death Metal / Black Metal
Veröffentlichung: 03.06.2022
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Heute habe ich für euch ein wenig gruseliges Gruseln und wohliges Schauern im Gepäck. Damit meine ich nicht, dass ich euch ein Selfie von mir von heute früh poste. Das wäre dann doch zu grausam. Nein – es geht um das Melodic Death Metal Album „Madness and Blood“ von A Dance In Yellow. Hinter diesem poetischen Namen verbirgt sich der Gitarrist, Vocalist und Composer Jonas Werling. „Madness and Blood“ ist ein Konzeptalbum, inspiriert von dem Brettspiel „Eldritch Horror“, und soll dessen Atmosphäre einfangen. Es geht also um Angst, Wut, Täuschung, Irreführung und Bedrohung. Jetzt mal so ganz lapidar und grob umrissen.

Das äußerst stimmungsvolle Intro „Madness and Blood“, gibt mit seinem unheilvollen Gitarrensound, dem ungemütlichen Chor und den bisweilen schrillen Pianotönen und dem Flüstern sehr gut die Richtung vor und erzeugt ein schön schauriges Kribbeln in der Magengegend. Im Song „Torn Apart“ heißt es dann pedal to the metal und der Fuß geht ab da auch nur noch selten vom Gas. Die Gitarre dräut unheilvoll im Hintergrund – ich glaube, ich habe noch nie so einen unheilvollen Gitarrensound gehört. Großartig. Melodisch ist der Song sehr ansprechend, die Tempowechsel erzeugen Spannung. Die nachdrücklichen Drums scheinen die Lyrics geradezu einzuhämmern. „Torn Apart“ verbreitet ein richtig cineastisches Feeling. Das bleibt eigentlich auch das ganze Album über erhalten. Die Musik wirkt geradezu bildgewaltig, falls man das so sagen kann. Gefühle und Emotionen spielen eine bedeutende Rolle. Mit ihnen wird gekonnt – und äußerst variantenreich – gespielt. Zum Beispiel in „Fire and Steel“. Die Gitarre pirscht sich langsam an den Hörer an. Bass und Gitarre beginnen dann eine unheilvolle und rhythmisch äußerst spannende Liaison, melodisch wunderschön. Zusammen mit der Orchestrierung entsteht eine gruselige Atmosphäre und es läuft einem eiskalt den Rücken runter. Die Vocals wechseln zwischen Growls, Screams und gesprochenen Worten und tragen ihren Teil zum Gesamtklang bei. „You Will Fail“ beginnt mit einem atemlos und abgehackt wirkenden Gitarre-, Gesang- und Drumauftakt und wechselt sich dann ab mit einem schon fast wiegenden Rhythmus. „Stars Constellate Your Fate“ schafft durch die hallige Orchestrierung Weite und ein Gefühl von Unendlichkeit. Dagegen steht in herrlichem Gegensatz ein erdendes Drum- und Gitarreninferno. So gut gelungen! „Broken and Weary“ beginnt mit wunderschönem Piano- und Streicherintro, schleppt sich dann mit tiefer Gitarre unheilvoll weiter, wie ein verwundetes Tier und zieht eine blutige Spur hinter sich her bis das Piano wieder übernimmt und am Ende alles auseiert. In „In the Darkest Night“ zeigt A Dance In Yellow seine zarte Seite. Sanfte cleane Gitarre und regnerisch windiger Soundeffekt, eine Nacht, in der man vor seinem eigenen Spiegelbild erschrickt. „Boon of the Ancients“ überzeugt mit seinem äußerst dynamischen und drängenden Gitarrenriff.

„Madness and Blood“ ist ein atmosphärisch extrem dichtes Album. Der gelungene Mix von Musik und Soundelementen, im auf-die-Fresse-Modus, überzeugt von A bis Z. Die Melodien sind bildschön, gruselig, wohlig-schaurig. Vor allem die Gitarre wirkt bisweilen wie ein lebendiges Wesen. Lauernd, wütend. Die Lyrics erinnern an einen Geschichtenerzähler an einem blakenden Feuer in einer verregneten, stürmischen Nacht. Kribbeln in der Magengegend garantiert!

A Dance In Yellow auf YouTube

English Version

Today I have a little creepy horror and pleasant shivers in the luggage for you. I don’t mean that I’m posting a selfie of me from this morning. That would be too cruel. No – it’s about the melodic death metal album „Madness and Blood“ by A Dance In Yellow. Behind this poetic name hides the guitarist, vocalist and composer Jonas Werling. „Madness and Blood“ is a concept album inspired by the board game „Eldritch Horror“ and aims to capture its atmosphere. So it’s about fear, anger, deception and threats. Very succinctly and roughly outlined.

The extremely atmospheric intro „Madness and Blood“ sets the direction very well with its ominous guitar sound, the uncomfortable choir, the sometimes shrill piano tones and the whispering and creates a nice eerie tingling in the stomach area. In the song „Torn Apart“ it’s pedal to the metal and from then on it rarely takes the foot off the gas. The guitar is ominously in the background – I don’t think I’ve ever heard such an ominous guitar sound. Great. Melodically, the song is very appealing, the tempo changes create tension. The emphatic drums seem to pound the lyrics into place. „Torn Apart“ spreads a really cinematic feeling. That actually stays the same throughout the album. The music is almost visually stunning, if you can put it that way. Feelings and emotions play an important role. A Dance In Yellow play with them skilfully – and with a lot of variety. For example in „Fire and Steel“. The guitar slowly approaches the listener. Bass and guitar then begin an ominous and rhythmically extremely exciting liaison, melodically beautiful. Along with the orchestration it creates a spooky atmosphere. The vocals alternate between growls, screams and spoken words and complete the overall sound. „You Will Fail“ begins with a breathless and choppy guitar, vocals and drums prelude and then alternates with an almost swaying rhythm. „Stars Constellate Your Fate“ creates vastness and a sense of infinity through the reverberant orchestration. On the other hand, a grounding drum and guitar inferno stands in wonderful contrast. So well done! „Broken and Weary“ begins with a beautiful piano and strings intro, then a low guitar drags itself, like a wounded animal and leaves a bloody trail behind it until the piano takes over again and everything wobbles out in the end. „In the Darkest Night“ shows A Dance In Yellow’s tender side. Gentle clean guitar and rainy windy sound effect, a night where you scare yourself in front of your own reflection. „Boon of the Ancients“ convinces with its extremely dynamic and urgent guitar riff.

„Madness and Blood“ is an atmospheric, extremely dense album. The successful mix of sound elements and music, in the pedal to the metal mode, convinces from A to Z. The melodies are beautiful, creepy, comfortingly scary. Especially the guitar sometimes seems like a living being. Lurking, angry. The lyrics are reminiscent of a storyteller by a roaring fire on a rainy, stormy night. Tingling in the stomach area guaranteed!


Tracks:

1. Madness and Blood (Intro)
2. Torn Apart
3. Inside the Walls
4. Fire and Steel
5. You Will Fail
6. Stars Constellate Your Fate
7. Broken and Weary
8. In the Darkest Night
9. Boon of the Ancients
10. The All-Devouring
11. The Game Will End

Band:
Jonas Werling

Götter, Könige, Schlachtengetümmel. „Ynglingaättens Öde“ von Månegarm.

Folk Metal / Pagan Metal
Veröffentlichung: 15.04.2022
Napalm Records
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Letzten Freitag war Heimwerkertag. Die Challenge: vier Pfosten so einbetonieren, dass sie hinterher nicht von links nach quer stehen. Betonieren kann ich 1a, mit der Wasserwaage geduldig und wutanfallfrei umgehen nicht. Aber der nötige Abstand hilft in solchen Situationen. Samstag hieß es dann chillen mit dem besten Ehemann und der besten Freundin von allen, sodass ich heute in exzellenter Schreiblaune bin. Månegarm veröffentlichten vor kurzem ihr neues Album „Ynglingaättens Öde“ (Das Schicksal der Ynglingasippe) und da müssen einfach ein paar Worte dazu gesagt werden. Ich persönlich liebe ja den für Månegarm typischen Mix aus Blackmetal, Folk- und Paganelementen heiß und innig. Die Schweden verstehen es, mit ihrer Musik Geschichten zu erzählen – und zwar extrem bunt und lebendig. Auf „Ynglingaättens Öde“ nehmen sich Månegarm das alte nordische Gedicht „Ynglingatal“ vor, das von der Geschichte, den Herrschern, Königen und natürlich auch den Schlachten der Ynglingadynastie aus der Gegend von Uppsala berichtet.

Der Auftakt könnte kaum fulminanter ausfallen. Mit „Freyrs blod“ nageln Månegarm dem geneigten Hörer ein 10-minütiges Brett vor die Birne, das es in sich hat und keine Fragen offen lässt. Der Song eröffnet mit schönster Blackmetalraserei inklusive wildem Tremolopicking, Blastbeats und wüstem Gekeife. Also back to the roots? Nicht wirklich. Nur in Anklängen. Der eingängige Refrain, die bildschönen melodischen Gitarrenparts, die ruhigen, cleanen Momente mit Violine und Klargesang, das sich andeutende Schunkelgefühl und die furios melancholischen Fiedelmomente brechen mit dem oldschool Gefühl, das sich breit machen will. Der Song sagt eindeutig aus: Wir sind wieder da! „Ulvhjärtat“ verbindet fast schon beschwingte, akustische Leichtigkeit mit einem prägnanten Riff, einer märchenhaft schönen Gitarrenmelodie und mitunter schon fast krächzenden Growls. Ja, Melodien, die ins Ohr gehen, können Månegarm. Das beweisen sie auch mit „Adils fall“. Es ist majestätisch, der Gesang wuchtig und nachdrücklich. Er prägt den Song mit seiner Geschichtenerzählermanier (oder Geschichtengrowler?) entscheidend und verleiht ihm einen ganz eigenen Charakter. Definitiv ein Highlight des Albums ist das balladeske „En snara av guld“. Der Song ist von einer anrührenden Zartheit, zu welcher der Gesang von Sänger Erik Grawsiös Tochter Lea Grawsiö Lindström maßgeblich beiträgt. Ihre elfenhafte Stimme harmoniert mal perfekt mit Erik Grawsiös klarem Gesang, mal steht sie in reizvollem, spannungsgeladenem Kontrast zu dessen Rauheit. „Stridsgalten“ erzählt die Geschichte einer Schlacht zu Ehren Odins. Ein eingängiger, folkig groovender Stampfer, der absolut Spaß macht.  Ein Violinenriff, das sich festfräst. Dazu noch die Unterstützung durch die Kollegen Jonne Järvelä (Korpiklaani), Robse Dahn (Equilibrium) und Pär Hulkoff (Raubtier/Hulkoff). Und ja – scheißegal, wie die restlichen Songs ausfallen. Die Maultrommel feiert hier ihr furioses Comeback. Im Gegensatz zur Feierstimmung von „Stridsgalten“ steht das bedrohliche und düstere „Auns söner“. Eine blackmetallische Midtempo Nummer mit lauerndem Gitarrenriff, welches die Geige gekonnt aufnimmt. Noch schwärzer wird es mit „Vitta vettr“. Der melodische, cleane Beginn täuscht kurz an, bevor ein wahrer blastbeatiger, fieser, harter Aggressionsausbruch folgt. Der eingängige Refrain durchbricht das Ganze aber immer wieder. Den märchenhaft schönen akustischen Abschluss liefert dann „Hågkomst av ett liv“. Der Song ist zart, zerbrechlich, wehmütig, die Violine singt geradezu. Die Gitarrenarrangements sind göttlich. Die Hauptrolle spielt allerdings der umwerfende Leadgesang von Ellinor Videfors. Dazu kommt Erik Grawsiös Klargesang und einige Passagen im Duett. Hach. Seufz. Gelungener Abschluss für ein Album, das umhaut.

Nachdem Månegarm sich auf dem letzten Album „Fornaldarsagor“ wieder etwas mehr ihren schwarzmetallischen Wurzeln angenähert hatten, bleiben diese auf „Ynglingaättens Öde“ auch weiterhin stark präsent. Doch das Album ist wieder folkiger und etwas verspielter. Violine, schunkelnde Melodien, vielstimmige Chöre, eingängige Mitsingrefrains und meine geschätzte Maultrommel sorgen für das  Ambiente. Genau im richtigen Maß, wage ich zu behaupten. Gesanglich legt Erik Grawsiö noch eine Schippe drauf. Seine Stimme ist unheimlich wandelbar und trägt mit ihrem klaren Klang, den heftigen Growls und dem wüsten Krächzen sehr zum Charakter des Albums bei. Hören!

Napalm Records auf YouTube

English Version

Last Friday was home improvement day. The challenge: concrete four posts in such a way that they don’t end up crossing from left to right. I can concrete perfectly but not use the spirit level patiently and without tantrums. But the necessary distance helps in such situations. Saturday was chilling out with the best husband and best friend of all, so today I’m in an excellent writing mood. Månegarm recently released their new album „Ynglingaättens Öde“ (The Fate of the Ynglinga Clan) and a few words have to be said about it. I personally love the mix of black metal, folk and pagan elements that is so typical for Månegarm. The Swedes know how to tell stories with their music – extremely colorful and lively. On „Ynglingaättens Öde“ Månegarm take on the old Norse poem „Ynglingatal“, which tells of the history, rulers, kings and of course the battles of the Yngling Dynasty from the Uppsala area.

The start could hardly be more brilliant. With „Freyrs blod“ Månegarm nail a 10-minute hammer in front of the listener’s head, which has it all and leaves no questions unanswered. The song opens with the most beautiful black metal frenzy including wild tremolo picking, blast beats and wild nagging. So back to the roots? Not really. Only hints. The catchy chorus, the beautiful melodic guitar parts, the quiet, clean moments with violin and clear vocals, the hint of swaying and the furiously melancholic fiddle moments break with the old school feeling that wants to spread. The song clearly says: We’re back! „Ulvhjärtat“ combines almost exhilarating, acoustic lightness with a concise riff, a fabulously beautiful guitar melody and sometimes almost croaking growls. Yes, catchy tunes is something Månegarm really master. They prove that again with „Adils fall“. It’s majestic, the vocals powerful and emphatic. They decisively shape the song with their storytelling manner (or story growler?) and give it its very own character. Definitely a highlight of the album is the balladesk „En snara av guld“. The song has a touching tenderness, to which the singing of singer Erik Grawsiö’s daughter Lea Grawsiö Lindström contributes significantly. Her elfin voice sometimes harmonizes perfectly with Erik Grawsiö’s clear vocals, sometimes it stands in charming, tense contrast to its roughness. „Stridsgalten“ tells the story of a battle in honor of Odin. A catchy, folky grooving pounder that’s a lot of fun. A violin riff that gets stuck in your ear. Add to that the support of colleagues Jonne Järvelä (Korpiklaani), Robse Dahn (Equilibrium) and Pär Hulkoff (Predator/Hulkoff). And yes – I don’t give a fuck how the rest of the songs turn out. The jaw’s harp celebrates its furious comeback here. In contrast to the festive mood of „Stridsgalten“ is the menacing and somber „Auns söner“. A black metallic mid-tempo song with a lurking guitar riff which the violin skilfully picks up. It gets even blacker with „Vitta vettr“. The melodic, clean beginning is deceptive for a moment, before a real blast-beat, mean, hard outburst of aggression follows. The catchy chorus breaks through the whole thing again and again. „Hågkomst av ett liv“ delivers the magically beautiful, acoustic conclusion. The song is tender, fragile, wistful, the violin almost sings. The guitar arrangements are divine. The main role, however, play the stunning lead vocals of Ellinor Videfors. There are also Erik Grawsiös clear vocals and a few passages in a duet. Uh. Sigh. Successful conclusion for an album that blows your mind.

After Månegarm got closer to their Black Metal roots on their last album „Fornaldarsagor“, they remain strongly present on „Ynglingaättens Öde“. But the album is folkier again and a bit more playful. Violin, swaying melodies, polyphonic choirs, catchy sing-along refrains and my treasured jaw harp provide the ambience. Just the right amount, I daresay. Vocally, Erik Grawsiö turns up even more. His voice is incredibly changeable and with its clear sound, the heavy growls and the wild croaking it contributes a lot to the character of the album. Listen!


Tracks:

1. Freyrs blod
2. Ulvhjärtat
3. Adils fall
4. En snara av guld
5. Stridsgalten
6. Auns söner
7. Vitta vettr
8. Hågkomst av ett liv
9. The Wolfheart (English version of „Ulvhjärtat“)

Band:

Erik Grawsiö – Gesang, Bass
Markus Andé – Gitarre
Jakob Hallegren – Schlagzeug

Baden in Depression. Deceiver von Khemmis.

Doom Metal / Epic Doom Metal
Veröffentlichung: 19.11.2021
Nuclear Blast
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Deceiver_FrontCover(English version below.)

Momentan wollen die Worte nicht so fließen, wie sie sollen. Bei der aktuellen Situation kein Wunder, dass einem das Ganze auf die Tippfinger schlägt. Sonst setze ich mich hin, Musik wandert vom Ohr ins Hirn und vom Hirn in die Finger. Gerade ist da aber anscheinend irgendwo eine Barriere, die den Gedankenfluss behindert. Was macht man in solch einer Situation? Man stellt fest, dass man es schändlicherweise immer noch nicht geschafft hat, ein paar Worte zum neuen Album einer meiner absoluten Lieblingsbands zu schreiben. Bereits im November 2021 erschien „Deceiver“ von Khemmis aus Denver. Und siehe da, in dieser Wohlfühlzone klappt es auch mit dem Schreiben wieder ein wenig besser. Zudem passt das Album textlich und stimmungstechnisch wie die Faust aufs Auge. Melancholisch, depressiv, düster, hoffnungslos.

Das Album startet mit „Avernal Gate“. Ein bildschönes, akustisches Intro leitet in ein wunderbar galoppierendes Heavy Metal Gitarrenriff über, das sich mit doomig schleppenden Passagen abwechselt. Besonders die von Drums und Bass getragenen Momente haben es mir dabei angetan. Und natürlich Phil Pendergasts klare, melancholische Stimme, die den Hörer packt und unweigerlich tief hinabzieht in eine Welt aus Traurigkeit, Schmerz und Dunkelheit. Vor allem der eingängige Refrain bleibt gleich in Erinnerung. Exzellent, besser kann man epischen Doom nicht machen. „House of Cadmus“ ist schwer und bedrückend. Zäh, walzig, düster und hoffnungslos. Dabei hochemotional und melodisch. Herrlich. Die Gitarren wummern tief in der Magengrube oder bezaubern mit melancholischen Leads. Der Wechsel zwischen Clean- und Growlgesang ist von einer begeisternden Intensität, die Herzklopfen verursacht. Lieblingssong! „Living Pyre“ ist ein recht klassischer Doom Song. Eingängig, melodisch, stampfend. Hach – und der Khemmis-typische, glasklare Twingitarrensound, den ich über alles liebe, bezaubert und begeistert einmal mehr. „Shroud of Lethe“ hat zu Beginn etwas anrührend Zartes und Fragiles. Dann kommen Power und Wucht dazu. Bildschöne, melodische Gitarren, untermalt von stampfenden Drums und Bass. Riff zum Weinen. Super gelungen. Dazu noch der glasklare, wehmütige Gesang. Abstieg in tiefste Tiefen mit harschen, wütenden Growls. Alles dabei, was das Herz begehrt. „Obsidian Crown“ bringt Sludgemomente mit ins Spiel, die man hier und da auch schon im Opener findet und wechselt immer wieder das Tempo und die Stimmung. „The Astral Road“ hat einen zum Sterben schönen akustischen Beginn, der durch eine zum Sterben noch schönere Gitarrenmelodie abgelöst wird. Das Tempo zieht erstmal an und man rockt recht fröhlich-melancholisch vor sich hin. Der Song bremst ab, zieht wieder an, bremst ab. Huiuiui. Und die Gitarrenarbeit. Grandios. Solopassagen. Twingitarren. Mörderriff. Alles dabei. Drums und Bass kicken. Epischer Gesang. Dann wird alles schwer. Zäh. Reduziert. Gefühlschaos.

Khemmis legen mit „Deceiver“ ihr vorerst düsterstes Album vor. Das bezieht sich vor allem auf den Text. Musikalisch bleibt die Band bei ihrer Stärke überwältigenden, epischen Doom zu fabrizieren, der einen aus den Socken haut. Zutaten sind der klare, wunderbar melancholische Gitarrensound, die Twingitarrenpassagen, die Mörderriffs, Hooks und Leads, unterstrichen von markanten Basslines. Die Drums setzen immer wieder kleine, aber wichtige Akzente. Dazu kommt noch das Spiel mit dem Gesang. Phil Pendergasts klare, melancholische Stimme gegen Ben Hutchersons wütende, fauchende Growls. Alles zusammen ergibt: WOW!

 

Nuclear Blast Records auf YouTube

English Version

At the moment the words don’t want to flow as they should. In the current situation, it’s no wonder that the fingers won’t work as they usually do. Otherwise I sit down, music travels from the ear to the brain and from the brain to the fingers. Right now, however, there seems to be a barrier somewhere that impedes the flow of thoughts. What do you do in such a situation? It turns out that, shamefully, I still haven’t managed to write a few words on the album „Deceiver“ from one of my favourite bands Khemmis. Lo and behold, in this comfort zone, writing works a little better again. In addition, the album fits lyrically and mood-wise like a glove. Melancholic, depressed, gloomy, hopeless.

The album kicks off with „Avernal Gate“. A beautiful acoustic intro leads into a wonderfully galloping heavy metal guitar riff that alternates with doomy sluggish passages. I especially like the drum and bass driven moments. And of course Phil Pendergast’s clear, melancholic voice, which grips the listener and inevitably pulls you deep into a world of sadness, pain and darkness. Above all, the catchy chorus is immediately memorable. Excellent, there is no better way to do epic doom. „House of Cadmus“ is heavy and opressing. Tough, stomping, gloomy and hopeless. Highly emotional and melodic. Splendid. The guitars pound deep in the stomach or enchant with melancholic leads. The alternation between clean and growl vocals is of an exhilarating intensity that makes your heart pound. Favourite song! „Living Pyre“ is quite a classic Doom song. Catchy, melodic, pounding. Oh – and the Khemmis-typical, crystal-clear twin guitar sound, which I love more than anything, enchants and inspires once more. „Shroud of Lethe“ has something touchingly gentle and fragile at the beginning. Then there is the power and momentum. Beautiful, melodic guitars accompanied by pounding drums and bass. Riff that makes you cry. Super successful. Add to that the crystal-clear, wistful singing. Descent into the deepest depths with harsh, angry growls. Everything your heart desires. „Obsidian Crown“ brings sludge moments into play, which can also be found here and there in the opener. The song keeps changing the tempo and mood. „The Astral Road“ has a to-die-for acoustic opening, which is followed by an even more to-die-for guitar melody. The tempo picks up at first and you rock along quite happily and melancholically. The song slows down, picks up again, slows down. Huiuiui. And the guitar work. Magnificent. Solo passages. Twin guitars. Killer riffing. Everything included. Kick drums and bass. Epic vocals. Then everything becomes heavy. Tough. Reduced. Emotional chaos.

With „Deceiver“ Khemmis present their so far darkest album. This mainly applies to the text. Musically, the band sticks to their strength of crafting mind-blowing epic doom that knocks your socks off. The ingredients are the clear, wonderfully melancholic guitar sound, the twin guitar passages, the killer riffs, hooks and leads underlined by distinctive bass lines. The drums set small but important accents again and again. Then there’s the singing. Phil Pendergast’s clear, melancholy voice against Ben Hutcherson’s angry, snarling growls. Everything together results in: WOW!

 


Tracks:

  1. Avernal Gate
  2. House Of Cadmus
  3. Living Pyre
  4. Shroud Of Lethe
  5. Obsidian Crown
  6. The Astral Road

Band:

Phil Pendergast – Gesang, Gitarre
Ben Hutcherson – Gesang, Gitarre
Zach Coleman – Schlagzeug

Berührt auf allen Ebenen. Corpus Vitreum

Atmospheric Black Metal / Post Black Metal
Veröffentlichung: neuer Song zu jedem Neumond
Eigenveröffentlichung
Homepage
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Heute möchte ich euch ein wirklich tolles Projekt der Black Metal Band Corpus Vitreum aus Bonn vorstellen. Das Studio-Projekt besteht aus den Musikern Sebastian Mirgeler und Matheus Kuska, die 2020 mit den Aufnahmen zu ihrem Debüt begonnen haben. Neben der großartigen Musik ist die Art und Weise spannend, wie Corpus Vitreum ihre Musik an den geneigten Hörer bringen. Seit März 2021 veröffentlichen die beiden monatlich zu jedem Neumond einen neuen Song auf ihrer Homepage. Dieser wird zuvor zu Vollmond von einer ruhigeren, instrumentalen Version, genannt „Silent Roots of…“, angekündigt. Zu jedem Song gehören außerdem ein eigenes Artwork und eine Rune. Diese Konzeption macht die Musik der Jungs auf verschiedenen Ebenen erleb- und fühlbar, weil auch das Visuelle mit eingebunden wird. Dadurch entsteht ein noch tieferes, emotionaleres Erlebnis. Die Homepage ist wirklich ein Knaller. So wunderschön gestaltet. So viele liebevolle Details, die darauf hindeuten, wie viele Gedanken die Musiker sich hier gemacht haben und wie viel Arbeit und Liebe in das Projekt geflossen ist. Jaja, ich weiß, ihr wollt jetzt auch endlich mehr zur Musik von Corpus Vitreum wissen. Ich mach ja schon!

Bisher sind 11 von 15 Songs erschienen. Und schon allein die ruhigeren Ankündigungsversionen wären einen eigenen Artikel wert. Sie vereinen Piano und cleane Gitarre in melodisch bildschöner Weise miteinander. Extrem melancholisch, atmosphärisch und entspannend. Die Songs selbst transportieren eine Fülle an Emotionen und Gedanken und bewegen sich irgendwo zwischen Schönheit und Ruhe und Schwärze, Unbehagen, aufgewühlt sein und Horror. Songs wie „Behemoth of the North“ oder „Lunar Horizont“ erzeugen ein überwältigendes Gefühl von Weite, Unendlichkeit, Größe, aber auch Einsamkeit. Immer gemischt mit ein wenig Unbehagen. „Behemoth of the North“ erreicht das durch halliges Tremolopicking, eine wunderbare Gitarrenmelodie und den eigenwilligen Gesang irgendwo zwischen Growls, Screams, cleanem Gesang und Rezitation. „Lunar Horizont“ hingegen beginnt mit einem einsamen, perlenden Piano, dessen Spiel sich ungut in die Magengrube schmiegt. Immer weitere Instrumente steigen mit ein und los geht der Flug in die Weite des Alls – und dem entgegen, was da so lauern mag.

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In „A Fragile Dawn“ und„Morbid Minds“ zeigen Corpus Vitreum sich von einer extrem melodischen und melancholischen Seite. Melodische Gitarrenmelodien, manchmal clean, manchmal melancholisch verzerrt. Hallige Growls und halliger Gesang und ab und an bauen Gitarren und Drums einen bedrohlichen Druck auf und weisen auf die Zerbrechlichkeit von allem hin. Bildschön und packend! „The Blackened Sea“ gehört definitiv zu meinen Favoriten. Der Beginn aus Meeresrauschen, einer leicht sinistren und melancholischen Pianomelodie und dem leicht wahnsinnigen, theatralisch-rezitativen Gesang ist schlicht genial. Dann kommt ein eingängiges Gitarrenriff dazu. Es wird immer wieder leicht variiert und schürt das Unbehagen noch weiter. Wie ein Sonnenstrahl bricht die cleane Gitarre ab und zu durch die graue, raue See. Während einige der Songs vom Tempo her schon fast doomig-gemütlich sind, beginnt „Hymn of the Hurting Moment“ sehr temporeich und treibt das Horrorgefühl mit irrem Tremolopicking und einem Gitarrenriff, das ins Wahnsinnige abgleitet auf die Spitze. Danach wechselt der Song zwischen Blastbeat- und Gitarreninferno, kombiniert mit verzweifelten Vocals und ruhigem Piano und cleanen Gitarrenpassagen.

 

Die Musik von Corpus Vitreum ist packend und bildgewaltig. Schön und melancholisch. Schürt Unbehagen und Furcht. Wenn man dann noch das visuelle Konzept dazu nimmt, das die Jungs drumherum gebaut haben, entsteht ein ganz eigenes, tieferes Erlebnis von Musik. Mich hat es mit allen Sinnen berührt und gepackt. Unbedingt reinschauen und anhören!

Corpus Vitreum auf YouTube

English Version

Today I would like to introduce you to a really great project by the Black Metal band Corpus Vitreum from Bonn. The studio project consists of the musicians Sebastian Mirgeler and Matheus Kuska, who started recording their debut in 2020. In addition to the great music, the way Corpus Vitreum bring their music to the listener is exciting. Since March 2021, the two have been releasing a new song on their homepage every month for every new moon. This is announced beforehand at full moon by a quieter, instrumental version of the song called „Silent Roots of…“. Each song also comes with its own artwork and rune. This concept allows the boys‘ music to be experienced and felt on different levels, because the visuals are also included. This creates an even deeper, more emotional experience. The homepage is really a blast. So beautifully designed. So many loving details that indicate how much thought the musicians have put into this and how much work and love has gone into the project. Yes, I know, you finally want to know more about the music of Corpus Vitreum. I’ll do it!

So far 11 out of 15 songs have been released. And the quieter announcement versions alone would be worth their own article. They combine piano and clean guitar in a melodically beautiful way. Extremely melancholic, atmospheric and relaxing. The songs themselves convey a wealth of emotions and thoughts, ranging somewhere between beauty and stillness and blackness, discomfort, being agitated and horror. Songs like „Behemoth of the North“ or „Lunar Horizon“ create an overwhelming feeling of vastness, infinity, greatness but also loneliness. Always mixed with a little discomfort. „Behemoth of the North“ achieves this through reverberant tremolo picking, a wonderful guitar melody and the idiosyncratic vocals somewhere between growls, screams, clean vocals and recitation. „Lunar Horizon“, on the other hand, begins with a lonely, sparkling piano whose playing nestles uncomfortably in the pit of your stomach. More and more instruments join and off we go into the vastness of space – and towards what may be lurking there. „A Fragile Dawn“ and „Morbid Minds“ show Corpus Vitreum’s extremely melodic and melancholic side. Melodic guitar melodies, sometimes clean, sometimes melancholically distorted. Reverberating growls and reverberant vocals and now and then guitars and drums build up a menacing pressure and hint at the fragility of it all. Beautiful and gripping! „The Blackened Sea“ is definitely one of my favorites. The beginning with the sound of the sea, a slightly sinister and melancholic piano melody and the slightly insane, theatrical-recitative singing is simply brilliant. Then a catchy guitar riff joins in. It is always slightly varied and fuels the discomfort even further. Like a ray of sunshine, the clean guitar sometimes breaks through the grey, rough sea. While some of the songs are almost doomy and cozy in terms of tempo, „Hymn of the Hurting Moment“ starts very fast and takes the horror feeling to the extreme with crazy tremolo picking and a guitar riff that slides into madness. After that the song alternates between blastbeat and guitar inferno combined with desperate vocals and calm piano and clean guitar passages.

The music of Corpus Vitreum is gripping and visually stunning. Beautiful and melancholic. Fuels discomfort and fear. If you then add the visual concept that the guys built around it, it creates a very own, deeper experience of music. It touched and gripped me with all my senses. Be sure to check it out and listen!

 


Tracks:

  1. Lunar Horizon
  2. Behemoth of the North
  3. Morbid Mind
  4. A Fragile Dawn
  5. Old Wars
  6. Beast of Misery
  7. Steel Coffins
  8. March to Midgard
  9. Hymn of the Hurting Moment
  10. The Blackened Sea
  11. Headless Gods

Band:

Matheus Kuska – alle Instrumente
Sebastian Mirgeler – Gesang, alle Intrumente

Zwischen Entspannung und Abrocken. Kings Head von Kings Head

Stoner Metal / Stoner Rock / Progressive Metal 
Veröffentlichung: 24.12.2021 (digital)
Eigenveröffentlichung
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Heute möchte ich euch die Band Kings Head aus Reutlingen mit ihrem Debütalbum „Kings Head“ vorstellen. Reutlingen liegt ja quasi bei mir um die Ecke, musste ich aber lange meiden, da der beste Ehemann von allen vor einigen Jahren ein regelrechtes Reutlingentrauma erlitt. Ganz gleich welche Burgruine wir erklommen, die Reutlinger waren vor Jahrhunderten schon da und ließen bei ihrem Besuch keinen Stein auf dem anderen. Manche Burgen zerstörten sie gar gleich mehrfach. Das führte beim besten Ehemann von allen irgendwann zu Träumen davon, dass die Reutlinger das Schlafzimmer stürmen würden und zu dem resignierten Ausspruch: „Die Reutlinger wieder“. Aber diese finsteren Zeiten liegen hinter ihm, sodass auch er sich jetzt voller Freude auf „Kings Head“ stürzen kann. Das Album bietet übrigens acht Songs.

Der Stil von Kings Head ist verdammt vielfältig, pendelt in einem Song mal mehr in die eine, in einem anderen Song mal mehr in die andere Richtung. Allen Songs liegt aber ein gewisser stoneriger Groove – oder Stonergroove? – zugrunde. Am meisten gepackt hat mich der zweite Song auf dem Album namens „The Longest Night“. Heidewitzka, da weißt du manchmal nicht mehr, wo oben und unten ist. Der Song beginnt gemütlich, vom Feeling her schon fast doomig. Dann groovt und progt er aber richtig los und verbreitet Core Metal Feeling gemixt mit Stonerelementen und einer rockigen Stimme. Ja, das geht. Ja, das funktioniert großartig. Sehr großartig sogar. Es macht regelrecht Spaß. Auch melodisch ist der Song eine Ohrenweide. Es wird gefühlt alles aus Gitarre, Bass und Drums rausgeholt, was melodisch und rhythmisch so geht. Die anderen Songs bedienen sich einzelner Aspekte, des eben Aufgezählten. Der Opener „Kings Head“ wartet mit einem ansprechenden Riff und zwingenden Core Elementen auf und verbreitet dabei ein unheimlich entspanntes davondriften-Gefühl. Dass Kings Head auch schöne Melodie können, zeigen sie in „Stellar Descension“. Teilweise clean, fast träumerisch. Getragen von halliger Weite. „Kanun“ wiederum kommt stonermäßig und mit einem technischen und sehr anziehenden Riff daher. Es zieht sich durch den gesamten Song, mal im Vordergrund, mal im Hintergrund und dominiert und charakterisiert den Song. „Mare Nostrum“ wirft zu Beginn einen Hauch von Funk mit in den Ring und „Huns Of The North“ träufelt ein Tröpfchen Kebabvibes ins Ohr. Dabei ist der Song sehr progig und man sieht förmlich die karge, weite Steppe vor dem inneren Auge und spürt durch dumpfe Gitarren und Drums die Pferdehufe donnern. Sehr cool! „Heads Of Us All“ versprüht seinen Reiz durch den Gegensatz zwischen leichten, melodischen, cleanen Gitarren und wuchtig schweren Drums und Gitarren. Der Song attackiert und flaut ab, attackiert und zieht an und flaut wieder ab und ist dadurch unheimlich dynamisch.

„Kings Head“ von Kings Head ist ein absolut gelungenes Debüt. Durch die unglaubliche Vielfalt wird es beim Hören keine Sekunde langweilig. Man pendelt zwischen entspanntem Zuhören und euphorischem Abrocken. Unbedingt reinhören!

Kings Head auf YouTube

English Version

Today I’d like to introduce you to the band Kings Head from Reutlingen with their debut album „Kings Head“. Reutlingen is practically around the corner from me, but I had to avoid it for a long time because the best husband of all suffered a real Reutlingen trauma a few years ago. No matter which castle ruins we climbed, the people of Reutlingen were there centuries ago and left no stone unturned during their visit. They even destroyed some castles several times. At some point, this led the best husband of all to dreams that the Reutlingers would storm the bedroom and to the resigned statement: „The Reutlingers again“. But those dark times are behind him, so he too can listen to „Kings Head“ now with joy. The album has eight songs, by the way.

Kings Head’s style is damn diverse, turns in one direction in one song and more in the other direction in another song. But all songs are based on a certain stoner groove. The second song on the album called „The Longest Night“ grabbed me the most. Heidewitzka, sometimes you no longer know which way is up and which is down. The song starts comfortably, almost Doom-like in feeling. But then it really tends to groove and prog and spreads a core metal feeling mixed with stoner elements and a rocking voice. That’s so cool. Yes, this works great. Very great even. It’s downright fun. The song is also a feast for the ears melodically. Everything that goes melodically and rhythmically is pulled out of the guitar, bass and drums. The other songs use individual aspects of what has just been mentioned. The opener „Kings Head“ comes up with an appealing riff, compelling core elements and spreads an incredibly relaxed drifting away feeling. In „Stellar Descension“ Kings Head show that they can also make beautiful melodies. Partly clean, almost dreamy. Carried by echoing vastness. „Kanun“, on the other hand, comes along with a Stoner-ish and technical and very appealing riff. It runs through the entire song, sometimes in the foreground, sometimes in the background and dominates and characterizes the song. „Mare Nostrum“ throws a hint of funk into the ring at the beginning and „Huns Of The North“ drips a drop of kebab vibes into your ear. The song is very progy and you can literally see the barren, wide steppe in front of your inner eye and feel the thunder of the horses‘ hooves through the dull guitars and drums. Very cool! „Heads Of Us All“ glows through the contrast between light, melodic, clean guitars and massive, heavy drums and guitars. The song attacks and subsides, attacks and subsides, making it incredibly dynamic.

„Kings Head“ by Kings Head is an absolutely successful debut. Due to the unbelievable variety, it never gets boring while listening. You vacillate between relaxed listening and euphoric rocking. Be sure to listen!

 


Tracks:

  1. Kings Head 
  2. The Longest Night
  3. Kanun
  4. Stellar Descension 
  5. Heads Of Us All
  6. Huns Of The North
  7. Mare Nostrum
  8. Dynasty

Band:

Maxim – Gitarre und Gesang
Tinus – Gitarre und Gesang
Marci – Bass und Gesang
Alex – Schlagzeug

Return of the Kebab Vibes and Killer Growls. Halo von Amorphis

Progressive Metal / Death Metal
Veröffentlichung: 11.02.2022
Atomic Fire Records
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Impression(English version below.)

…Kebab Growls und Killer Vibes… ich bin ja so aufgeregt. Und ein wenig ratlos. Wie soll ich nur diese Rezension schreiben, ohne mich vor Lobhudelei zu überschlagen? Aber einfach „ohne Worte“ hinschreiben? Auch nicht so geil. Welche Superlative kann ich für Amorphis noch finden? Ich habe Tomi Joutsens Stimme mit zartschmelzender Schokolade verglichen. Mehr geht, zumindest in meinem Universum, nicht! Übrigens meinte mein Gitarrenlehrer letzte Woche, es sei schon echt witzig. Ich würde inzwischen voll das krasse Zeug spielen, kenne aber kaum einen Akkord. Ist das jetzt gut oder schlecht? Ach was, krasses Zeug ist gut. Krasses Zeug gibt es auch auf Amorphis‘ 14. Studioalbum „Halo“.  Die Scheibe bildet den Abschluss einer Trilogie (Under The Red Cloud (2015), Queen Of Time (2018)) rund um das finnische Nationalepos „Kalevala“. Texter Pekka Kainulainen liefert einmal mehr die poetischen Lyrics, welche sich mit der Musik zu einem stimmigen Ganzen verbinden. Den geneigten Hörer erwarten auf „Halo“ 11 Songs. Als Warnung sei vorausgeschickt, dass das Album nichts für den deutschen auf eins und drei Durchschnittsklatscher ist. Da drohen schlimme Handverletzungen bis hin zu akutem Wahnsinn.

Das Album ist mit seinem Mix aus Death Metal, Progressive Metal und folkigen Elementen durch und durch Amorphis. Der Opener „Northwards“ legt pompös los, mit Piano, gen Himmel strebendem Riffing, mächtigen Hooks, grooviger E-Orgel, halligen Synthis, bombastischen Drums, orientalischen Vibes, dem Wechsel zwischen wuchtigen Growls und leichtem Cleangesang und Chor. Der Rest des Albums gestaltet sich dann allerdings wesentlich reduzierter und weniger bombastisch, ohne jemals an Dramatik und Spannung zu verlieren. „On The Dark Waters“ präsentiert sich zurückgenommener, deathmetalig und groovig, mit eingängigem Refrain und folkigen Kebabvibes, wie Esa Holopainen sie einmal nannte. Von ihrer melodischen und melancholischen Seite präsentieren Amorphis sich im poppigen „The Moon“ – Heidewitzka, diese Stimme, diese Melodien. Dann geht irgendwie alles Schlag auf Schlag. Die nächsten Songs wirken fest miteinander verbunden, obwohl sie sehr verschieden sind. „Windmane“ ist ein rhythmischer Kracher. Melancholisch zart gefolgt von wuchtigen Growls, melodischem Riffing und drängenden Hooks. Die Tempowechsel sind atemberaubend, das Synthisolo spacig und das Gitarrensolo treibt mir Tränen in die Augen. „A New Land“ bringt mit der Stimme von Noa Gruman (Scardust) nochmal einen neuen Twist. Dynamisch, wuchtig, orientalisch angehaucht. Und Drums und Gitarren reißen einen rhythmisch geradezu mit. „When The Gods Came“ wartet mit elektrisierenden Growls, dunklen, drängenden Gitarren, dynamischer Rhythmik und darüber hinweg perlenden Keys auf. „Seven Roads Come Togehter“ ist wuchtig im Refrain, akzentuiert mit Streichern, die wiederum Leichtigkeit verleihen. „War“ verströmt zu Beginn fernöstliche Vibes, baut im Verlauf eine wirklich beeindruckende Klangwand aus Joutsens Stimme, den Gitarren, Drums, Synthis und Chorgesang auf. „Halo“ ist dagegen zurückgenommener, reduzierter, melodischer, melancholisch, entrückt und bisweilen sogar ein wenig poppig. „The Wolf“ haut dem Hörer dann aggressives Deathmetalriffing um die Ohren. Kombiniert mit einem eingängigen Refrain, bildschönen, melodischen Gitarren und einer sakralen Chorbridge wird daraus wieder etwas total Eigenes und Neues. Den Abschluss bildet dann „My Name Is Night“. Atmosphärisch, zart, bildschön. Streicher und Akustikgitarren liefern den Rahmen für Emanuelle Bianis himmlische Stimme, die perfekt mit Tomi Joutsens warmem Cleangesang matcht. Wie eine perfekte Mousse au Chocolat. Ich sollte das mit den Essensvergleichen lassen, das wirkt unseriös. Aber ich kann nicht anders.

„Halo“ hat mich vom ersten Moment gepackt, gefesselt und weggeblasen. Wahrscheinlich saß ich während des mehrfachen Hörens mit einem dummseligen Grinsen da und konnte einfach nicht aufhören. Erinnerung an mich selbst: niemals mit dem Gedanken spielen, Videoreaktionen auf Musik zu filmen. Der amorphistypische Mix aus Death Metal, Progressive Metal und folkigen Elementen ist mitreißend wie eh und je. Dieses beständige Spiel zwischen Wucht und Leichtigkeit, Dunkelheit und Licht. Dunkle Growls und perlendes Piano. Das macht den Reiz der Musik der Finnen aus. Diese Melodien. Mal drängend, mal zart. Diese rhythmischen und tempotechnischen Variationen und Details. Die vielfältigen, eingängigen Riffs, Hooks und Refrains. Die orientalischen Vibes, die so gut mit der Musik verschmelzen, Dynamik verleihen. Die Soli von Esa Holopainen, die ich zutiefst liebe. Tomi Joutsens Stimme, die von tiefen, wuchtigen Growls über wütende Screams bis hin zu zart-melancholischem Cleangesang reicht und die einen Wut, Verzweiflung, Traurigkeit – kurz die ganze Palette an Gefühlen durchleben lässt. All das formt sich zu einem stimmigen, großen Ganzen, das man mit Begeisterung aufsaugt.

Amorphis und Atomic Fire Records auf YouTube

English Version

…Kebab growls and killer vibes… I’m so excited. And a little clueless. How am I supposed to write this review without overwhelming myself with superlatives? But just write „without words“? Not that cool either. What superlatives can I still find for Amorphis? I compared Tomi Joutsen’s voice to melt-in-the-mouth chocolate. More is not possible, at least in my universe! By the way, last week my guitar teacher said it was really funny – I’d be playing all that badass stuff by now, but I hardly know a chord. Is that good or bad now? Oh, badass stuff is good. There’s lots of badass stuff on Amorphis‘ 14th studio album „Halo“. It forms the conclusion of a trilogy (Under The Red Cloud (2015), Queen Of Time (2018)) based on the Finnish national epic „Kalevala“. Lyricist Pekka Kainulainen once again delivers the poetic lyrics, which combine with the music to form a coherent whole. The listener can expect 11 songs on „Halo“. As a warning, the album is not for the German one and three average clappers. There is a risk of severe hand injuries and even acute insanity.

The album is Amorphis through and through with its mix of death metal, progressive metal and folky elements. The opener „Northwards“ starts pompously with piano, riffing reaching for heaven, powerful hooks, groovy e-organ, reverberant synths, bombastic drums, oriental vibes, the change between powerful growls and light clean vocals and a choir. However, the rest of the album turns out to be much more reduced and less bombastic, without ever losing drama and tension. „On The Dark Waters“ is a bit calmer, straighter. It combines death metal and groove with a catchy chorus and folky kebab vibes, as Esa Holopainen once called them. Amorphis present themselves from their melodic and melancholic side in the poppy „The Moon“ – Heidewitzka, this voice, these melodies. Then somehow things accelerate rapidly. The next songs feel tightly connected, although they are very different. „Windmane“ is a rhythmic monster. Melancholic tender followed by massive growls, melodic riffing and urgent hooks. The tempo changes are breathtaking, the synth solo spacey and the guitar solo brings tears to my eyes. „A New Land“ brings a new twist with the voice of Noa Gruman (Scardust). Dynamic, powerful, with an oriental touch. And drums and guitars lead you forward rhythmically. „When The Gods Came“ comes up with electrifying growls, dark, urgent guitars, dynamic rhythms and keys that bubble over it. „Seven Roads Come Togehter“ is heavy in the chorus, accentuated with strings, which lend lightness. „War“ exudes Far Eastern vibes at the beginning, building up a really impressive wall of sound from Joutsen’s voice, the guitars, the drums, the synths and choral singing as it progresses. „Halo“, on the other hand, is more withdrawn, reduced, melodic, melancholic, enraptured and at times even a bit poppy. „The Wolf“ then hits the listener in the face with aggressive Death Metal riffing. Combined with a catchy chorus, beautiful, melodic guitars and a sacred choral bridge, it becomes something totally unique and new. The finale is „My Name Is Night“. Atmospheric, delicate, beautiful. Strings and acoustic guitars provide the framework for Emanuelle Biani’s heavenly voice, which matches perfectly with Tomi Joutsen’s warm clean vocals. Like a perfect chocolate mousse. I should stop with these food comparisons, that seems dubious. But I can not.

„Halo“ grabbed, captivated and blew me away from the first moment. I probably sat there with a stupid grin during the multiple listens and just couldn’t stop. Reminder to myself: never consider filming video reactions to music. Amorphis‘ mix of Death Metal, Progressive Metal and folky elements is captivating as ever. This constant play between force and lightness, darkness and light. Dark growls and sparkling piano. This is what makes the music of the Finns so appealing. Those melodies. Sometimes urgent, sometimes tender. These rhythmic and tempo-technical variations and details. The varied, catchy riffs, hooks and refrains. The oriental vibes that blend so well with the music and add dynamism. Esa Holopainen’s solos, which I love deeply. Tomi Joutsen’s voice, which ranges from deep, powerful growls to angry screams to tender, melancholic clean singing and which lets you experience anger, despair, sadness – in short, the whole range of feelings. All of this forms a coherent, large whole that you absorb with enthusiasm.


Tracks:

01. Northwards
02. On The Dark Waters
03. The Moon
04. Windmane
05. A New Land
06. When The Gods Came
07. Seven Roads Come Together
08. War
09. Halo
10. The Wolf
11. My Name Is Night

Band:

Tomi Joutsen – Gesang
Esa Holopainen – Gitarre
Tomi Koivusaari – Gitarre
Santeri Kallio – Keyboards
Olli-Pekka Laine – Bass
Jan Rechberger – Schlagzeug

Atmende Schwärze – Sinisten Puiden Niitty von i Helvete

Extreme Metal / Blackmetal / Doom Metal
Veröffentlichung: 26.11.2021
Eigenveröffentlichung
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Ich neulich im Gitarrenunterricht: „Och nö, das ist aber kompliziert. Ich seh schon, das wird meine neue Lieblingsstelle.“ Mein Gitarrenlehrer: „Ja, ist schon ein bisschen tricky, aber es lohnt sich. Klingt dann schon echt geil!“ Gitarrenlehrer fängt an die Stelle vorzuspielen und verspielt sich. “ … wenn man es kann…“ Normalerweise kann er es aber. Noch eine Band, die es kann ist  i Helvete. Ende November hat die Extreme Metal Band aus Finnland ihr Debüt „Sinisten Puiden Niitty“ veröffentlicht. Und auch wenn man wie ich ein Liebhaber der finnischen Sprache ist, aber kein Wort finnisch versteht, geht dieses Album mal richtig durch Mark und Bein. Das Konzeptalbum umfasst sechs Songs und dreht sich um einen Menschen, der sich abmüht mit den kleinen und großen Fiesheiten, die das Leben bereithält, klarzukommen.

Musikalisch verpacken i Helvete das Ganze in einen Mix aus Melodic Death-, Black- und Doommetalelementen. Der Opener „Kunnes Kuolema Meidät Erottaa“passt perfekt zum momentanen Wetter. Regen pladdert herab, es beginnt langsam und doomig. Bald aber setzen die Drums und ein flottes deathmetallisches Gitarrenriff mit Wucht ein. Der Gesang pendelt zwischen tiefen, intensiven Growls und schwarzmetallischen Screams  – zwischen Bauch und Manie. Die Gitarre flitzt unterdessen im Hintergrund quirlig auf und ab und die Drums ballern. Doomiges Piano und unheilvoll-epische Backingvocals und Synthis geben dem Song dann gegen Ende noch einmal einen neuen Twist. Damit ist in etwa umrissen, was einen auf „Sinisten Puiden Niitty“ so alles erwartet. Gekonntes Spiel zwischen melancholischen, sanfteren, wunderschönen, doomigen Parts teils mit cleaner Gitarre und gesprochenen Vocals wie in „Pohjaton Kuilu“ oder mit weiblichen Vocals wie in „Laulu Itselleni“ und schnellen, drückenden, drängenden Melodic Deathmetal Parts wie in „Vihapuhe“ oder „Sairaan Mielen Sinfonia“, das ziemlich groovig und beschwingt daherkommt. Außerdem wartet es mit einem wunderbaren, kleinen Drum und Bass Intermezzo und einem mitreißenden Gitarrensolo auf und endet in einem fulminanten Brüllfinale. Eine schöne Zusammenfassung des Variantenreichtums von i Helvete bietet dann noch einmal „Hirsipuu“, der mit beinahe 12 Minuten längste Track des Albums. Die Musik schleppt sich dahin, Tremologitarren verbreiten im Hintergrund ein ungutes Grummeln in der Magengegend, die doomigen, wuchtigen Growls im Vordergrund. Ein einprägsames, wunderschönes Melodeath Gitarrenriff wiegt den Hörer, lullt ihn ein. Doch die aaah Backingvocals lassen einen nie das drohende Unheil vergessen. Der Gesang wird eindringlicher, manischer, intensiver und eine schwarzmetallisch angehauchte Drumdauerfeuer- und Gitarrenhölle bricht los. Doomiges, cleanes, melancholisches und melodisches Gitarrenzwischenspiel und Growls aus den tiefsten, schwärzesten Tiefen. Schließlich ein episches Finale mit Chorgesang, unheilvollen Pianoklängen und Regenrauschen.

i Helvete hauen ein grandioses Debüt raus. Sechs Songs und es gibt so viel zu entdecken und zu hören. Der Mix aus Melodic Deathmetal mit Black und Doom Elementen macht riesigen Spaß und ist absolut gelungen. Der Gesang ist total variabel und reicht von tiefen, wuchtigen Growls über gesprochene Lyrics bis hin zu gequälten, manischen Blackmetalscreams. So wird es nie langweilig. Und das Spiel zwischen Gesang und den Instrumenten, die im Hintergrund untermauern, unterstützen und aufgreifen – manchmal auch durch das Gegenteil – ist absolut durchdacht und funktioniert bestens. Genauso wie der Wechsel zwischen schleppenden doomig-melodischen Parts und schnellen, rasenden Melodic Deathmetal- und Blackmetalparts. „Sinisten Puiden Niitty“ atmet Verzweiflung, Düsternis, Schwere, Härte, Schwärze. Sie dringen aus jeder Pore. Und doch ist dieses Album von einer bezaubernden Schönheit und Melodiösität, versehen mit einem Hauch Melancholie und Wehmut. „Sinisten Puiden Niitty“ ist wie ein genialer Horrorfilm. Man möchte sich am liebsten die Decke über den Kopf ziehen und kann doch nicht wegschauen – oder in diesem Fall weghören.

i Helvete auf YouTube

English Version

Me in a guitar lesson: „Oh no, that’s complicated. I can see that’s going to be my new favorite passage.“ My guitar teacher: „Yes, it’s a bit tricky, but it’s worth it. It sounds really great!“ Guitar teacher starts to play the part and gets lost. „… if you can play it …“ Normally he can though. Another band that can play is i Helvete. At the end of November the extreme metal band from Finland released their debut „Sinisten Puiden Niitty“. And even if you’re a lover of the Finnish language like me, but don’t understand one single word, this album really gets through your bones. The concept album comprises six songs and tells the story of a person who struggles to cope with the small and large nasties that life has in store.

Musically, i Helvete pack the whole thing into a mix of melodic death-, black- and doom metal elements. The opener „Kunnes Kuolema Meidät Erottaa“ suits the current weather perfectly. Rain pours down, it starts slow and doomy. But soon the drums and a fast death metal guitar riff kick in with force. The vocals oscillate between deep, intense growls and black metallic screams between belly and mania. Meanwhile, the guitar is whizzing up and down in the background and the drums are pounding. Doomy piano and sinister-epic backing vocals and synths give the song a new twist towards the end. This roughly outlines what awaits you on „Sinisten Puiden Niitty“. Skilful play between melancholic, softer, beautiful, doomy parts, partly with clean guitar and spoken vocals like in „Pohjaton Kuilu“ or with female vocals like in „Laulu Itselleni“ and fast, oppressive, urgent melodic death metal parts like in „Vihapuhe“ or „Sairaan Mielen Sinfonia“, which is quite groovy and lively. It also comes up with a wonderful little drum and bass intermezzo and a rousing guitar solo and ends in a brilliant shouting finale. „Hirsipuu“, the longest track on the album with almost 12 minutes, offers a nice summary of i Helvete’s diversity. The music drags along, tremolo guitars spread an uneasy growl in the stomach area in the background, the doomy, massive growls in the foreground. A catchy, beautiful melodeath guitar riff rocks the listener, lulls him. But the „aaah“ backing vocals never let you forget the impending disaster. The vocals become more haunting, manic, intense and a black metal-tinged drum and guitar hell breaks loose. Doomy, clean, melancholic and melodic guitar interlude and growls from the deepest, blackest depths. Finally an epic finale with choir singing, ominous piano sounds and the sound of rain.

i Helvete made a fantastic debut. Six songs and there is so much to discover and hear. The mix of melodic death metal with black and doom elements is great fun and absolutely successful. The vocals are totally variable and range from deep, powerful growls to spoken lyrics to tortured, manic black metal screams. That way it never gets boring. And the play between the vocals and the instruments, which underpin, support and pick up in the background – sometimes through the opposite – is well thought out and works perfectly. Just like the alternation between sluggish doomy melodic parts and fast, frenzied melodic death metal and black metal parts. „Sinisten Puiden Niitty“ breathes desperation, gloom, heaviness, hardness, blackness. They come out of every pore. And yet this album has an enchanting beauty and melodiousness with a touch of melancholy and wistfulness. „Sinisten Puiden Niitty“ is like an awesome horror movie. You would like to pull the blanket over your head and yet can’t look away – or in this case can’t stop to listen.


Tracks:
1. Kunnes Kuolema Meidät Erottaa
2. Vihapuhe
3. Pohjaton Kuilu
4. Sairaan Mielen Sinfonia
5. Laulu Itselleni
6. Hirsipuu

Band:
Aleksi Mäkelä – Gitarre & Gesang
Manu Kujala – Gitarre
Tapio Holappa – Bass
Teemu Koski – Schlagzeug

„The approach for Becoming Immanence portrays the history of the Earth, the birth of what is universal.“ – Interview mit Earthwomb

Endlich wieder ein Interview. Und dann noch ein total spannendes. Die peruanischen Black Metaller von Earthwomb stehen Rede und Antwort zu den verschiedensten Themen rund um ihre Band, ihre Musik und Black Metal in Peru. Also ich war total gespannt auf die Antworten. Na, auch neugierig geworden? Los geht’s! Und falls ihr das Review zur Debüt EP „Becoming Immanence“ von Earthwomb noch nicht gelesen habt – hier geht’s lang. Es lohnt sich! (English version below)

Earthwomb - Band Photo

T!B!B!: Warum habt ihr den Namen Earthwomb für eure Band gewählt?

Earthwomb: Der Name bezieht sich auf das Quechuawort ‚Pachamama‘ (Pacha: Land, Erde, Welt, Zeit // Mama: Mutter). Es ist ein Neologismus, der Erde und Mutterleib bzw. Matrix verbindet, was ein metaphysisches Denken über die Erde impliziert. Wir glauben, dass es fester Teil der lateinamerikanischen Weltanschauung ist, die mythische Entstehung der Welt auf diese Weise zu betrachten und sich an sie zu erinnern. Für uns verkörpert „der Schoß der Erde“ das, was wir für immanent, für kosmisch halten.

T!B!B!: Seit wann spielt ihr zusammen und wie habt ihr euch kennengelernt?

Earthwomb: Alles begann 2007. Damals planten Eduardo und Pedro, eine Death Metal Band mit einigen Hardcoreeinflüssen zu gründen. Nicht viel später schloss sich Giancarlo dem Projekt namens Craneotomy an. Komischerweise war Black Metal ein sehr hartnäckiges Element in unserer damaligen Musik, obwohl wir diese Seite von uns nie voll ausgeschöpft haben. Wir hatten danach ein paar andere Projekte, die nie das Licht der Welt erblickten, aber immer wieder kamen unsere Black Metal Einflüsse auf unserer musikalischen Reise an die Oberfläche. Erst als wir uns entschieden haben, Earthwomb zu gründen, sind wir tief in das Thema eingetaucht und seitdem haben wir jeden Schritt, den wir auf dieser Reise getan haben, geliebt.

T!B!B!: Wie würdet ihr die Musik beschreiben, die Earthwomb spielt?

Earthwomb: Unsere Musik entsteht aus der Kombination zwischen einer konzeptuellen Ebene und einer ästhetischen Kreation, die verschiedene Strömungen des Black Metal miteinander verbindet. Wenn uns etwas definiert, ist es diese Synergie, die es uns ermöglicht, dichteres Ambiente zu schaffen und Atmosphären zu beschreiben, die sich der gewöhnlichen Sprache entziehen. Wir machen seit mehr als zehn Jahren zusammen Musik und unsere Projekte sind immer in diese Richtung gegangen. Wir haben immer versucht, konzeptionelle Ideen (Philosophie, Weltperspektive) mit dichten, starken, dunklen und intensiven musikalischen Tönen in Einklang zu bringen.

T!B!B!: Worum geht es auf eurer EP „Becoming Immanence“?

Earthwomb: „Becoming Immanence“ schildert die Geschichte der Erde, die Geburt des Universellen. Für uns ist die Erde eine universelle Ausdehnung und ihre Auswirkungen sind endlich. Das, was sich über Bewusstsein und Moral hinaus ausdehnt, ein Code, der immanent ist. Immanenz ist intensiv, energisch und vital, aber sie hat auch schwarze Tiefen, Abgründe und Dunkelheit. Alles in der Immanenz ist also Rhythmus, Geburt, Tod, Perversion. Wir glauben, dass die Auswirkungen dieser Immanenz, d. h. ihre Ausdrucksformen, Zeit (Fractal Phenomenon), Raum (Walkscapes), Organismen (Trespassing the Paragons of Consciousness), Krieg (The Gathering) und Energie (Vital Flux) sind, die das Ganze zu einer Kontinuität führen; sie sind Momente einer einzigen Entfaltung, einer einzigen Entwicklung: Immanenz.

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T!B!B!: Wie lief der Schreib- und Aufnahmeprozess der EP ab?

Earthwomb: Da die EP so ein besonderes und persönliches Projekt ist, war der gesamte Schreibprozess tatsächlich etwas langwierig. Wir wollten einigen klanglichen Kriterien folgen, um das Konzept und das Thema so genau wie möglich darzustellen, zumindest für unsere Ohren. Die erste Iteration der EP kam ziemlich schnell, aber wir hatten zu diesem Zeitpunkt das Gefühl, dass wir einfach weiterarbeiten mussten. Diese zweite Phase des Prozesses war in Bezug auf das Schreiben am längsten. Wir haben die EP nicht nur zweimal aufgenommen, weil wir einige Anpassungen und Änderungen an den Songs vorgenommen haben, sondern weil wir der Meinung waren, dass wir bessere Performances und Takes liefern können. Zum Glück waren wir fertig, kurz bevor Covid ausbrach und die Quarantäne verhängt wurde. Was wir noch machen mussten, waren all die Synthesizer, Orchester- und Post-Arrangements. Das und einige zusätzliche Optimierungen an einigen Gitarrenparts wurden in der Quarantäne  aufgenommen, woran wir uns übrigens nur schwer gewöhnen konnten, da wir immer besser gearbeitet haben, wenn wir im selben Raum waren. Das war ein sehr interessanter und wertvoller Lernprozess, den wir durchlaufen mussten und am Ende haben wir alles so hinbekommen, wie wir es wollten. Der Mischprozess war auch eine sehr intensive und iterative Erfahrung. Pedro hatte beschlossen, die EP selbst zu mischen, also musste er das nötige Handwerkszeug dafür erst erlernen und dann verbessern. Wir mussten auch einen Weg finden, die Aufnahmeversionen der anderen so effizient wie möglich zu bearbeiten. Es war ein ziemliches Abenteuer, um ehrlich zu sein, und wir sind total begeistert, dass es so gut geklappt hat.

T!B!B!: Wie ist es Black Metal in Peru zu spielen? Gibt es viele Black Metal Fans?

Earthwomb: Aufgrund der Pandemie, in der wir leben, hatten wir noch keine Gelegenheit, bei einem lokalen oder nationalen Event zu spielen, aber wir hoffen, in den kommenden Monaten des Jahres einige Termine vereinbaren zu können. Black Metal hat in Peru eine große Anzahl von Fans. Wir würden sagen, dass es neben Thrash Metal oder Grindcore (und davon abgeleiteten Subgenres) einer der am weitesten entwickelten Stile in unserem Land ist. Der klassische Sound des Genres ist bei peruanischen Black Metal Bands stark verwurzelt. Aber es sind auch einige Projekte in der Hauptstadt und den Provinzen unseres Landes entstanden, die experimenteller sind und einen modernen Sound kreieren. Ein weiteres charakteristisches Merkmal des peruanischen Black Metal ist die Einbeziehung einer konzeptionellen, visuellen und klanglichen Ästhetik der Sicht auf den Kosmos. Diese stammt aus unserer präkolumbianischen Vergangenheit, Esoterik und dem Wissen unserer Ahnen und ist im Wesentlichen mit der Natur verbunden. Erwähnenswert ist auch, dass die peruanische Szene Teil der Gründungszeit des Genres (Proto-Black Metal / FWBM) in Südamerika ist. Viele Projekte wie Hastur oder Hadez haben in den achtziger Jahren Alben oder Demos aufgenommen und ein Vermächtnis hinterlassen, das bis heute nachhallt. In einigen Fällen sind die Bands, die diese musikalische Strömung initiiert haben, immer noch aktiv und produzieren neues Material.

T!B!B!: Wie ist die Metal Szene in Peru allgemein aufgestellt?

Earthwomb: Peru hat sich in der internationalen Szene mit großartigen Referenzen wie Mortem, Hadez, Anal Vomit oder Goat Semen positioniert, um nur einige zu nennen. Viele dieser Bands wurden in der Hauptstadt (Lima) gegründet, aber wir haben auch eine sehr große und superwichtige Szene außerhalb der Hauptstadt. Sie ist erwähnenswert, weil sie je nach Region unterschiedliche instrumentale oder ästhetische Elemente verwendet. Die peruanische Szene ist stark und entwickelt sich ständig weiter, trotz der Widrigkeiten, denen sie aufgrund der geringen Anzahl von Labels, Veranstaltern und des Mangels an Veranstaltungsorten für Konzerte, Tourneen oder Festivals, mitunter ausgesetzt ist. Natürlich hat die Pandemie starke Auswirkungen gehabt und dazu geführt, dass viele Veranstaltungsorte geschlossen wurden und obwohl einige Veranstaltungen nun wieder stattfinden können, müssen viele davon aufgrund von Beschränkungen der Regierung abgesagt werden. Das bedeutet nicht, dass die Bands in unserem Land in eine Art Lethargie verfallen sind. Die meisten machen ihre Arbeit unabhängig oder mit der Unterstützung von großen Labels, die in unserer Szene etabliert sind. In vielen Fällen führen die Widrigkeiten dazu, dass großartige Dinge entstehen, die es aus unserer Sicht verdienen, gehört zu werden.

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T!B!B!: Was bedeutet Musik im Allgemeinen und Metal im Besonderen für euch?

Earthwomb: Wir verstehen Metal als etwas, das im Werden begriffen ist. Werden bedeutet Transformation, Mutation, Veränderung und Perversion. Im Gegensatz zu anderen musikalischen Richtungen weist Metal eine große Heterogenität auf, weil er sich der Erforschung von Stilen verschrieben hat, Trends mischt, zu verloren geglaubten Ästhetiken zurückkehrt und vorläufige Positionen bestätigt. Alles im Metal ist im Wandel. Alles im Metal ist Umkehrung, Kombination und Umbruch. In diesem Sinne ist das Reden über Identitäten nur vorläufig. In einem Stil gibt es immer Einflüsse, weil er das Ergebnis des Werdens ist. Es muss auch erwähnt werden, dass unsere Musik nicht nur auf Metal oder verwandte Subgenres reduziert ist. Wir integrieren Elemente, die nichts mit Metal zu tun haben, und das hat uns definitiv geholfen, unseren Sound auf unsere eigene Art und Weise zu formen.

T!B!B!: Vielen Dank für das Interview und alles Gute für euch und euer Album.


English version

Finally another interview. And then another really exciting one. The Peruvian black metal band Earthwomb answers questions about a wide variety of topics related to their band, their music and black metal in Peru. So I was really looking forward to the answers. Well, are you curious, too? Here we go! And if you haven’t read the review of Earthwomb’s debut EP „Becoming Immanence“ yet – click here. It is worth it!

T!B!B!: Why did you choose the name Earthwomb for your band?

Earthwomb: It refers to the Quechuan word Pachamama (pacha: land, earth, world, time // mama: mother). It’s a neologism that connects Earth and Womb/Matrix, which implies thinking metaphysically about the Earth. We believe this is inherent to the latin american worldview, to think and recall the mythic fundamentals of the world. For us “the womb of the earth” incarnates what we consider immanent, cosmic.

T!B!B!: Since when are you playing together and how did you meet each other?

Earthwomb: We go way back to 2007. At that time Eduardo and Pedro were planning on forming a death metal band with some hardcore influences. Not much later Giancarlo joined the project which was named Craneotomy. Funny enough, a very persistent element in our writing was black metal, although we never fully exploited that side of us. We had a few other projects afterwards that never got to see the light but once again our black metal influences kept rising to the surface in our musical journey. It wasn’t until the time we decided to form Earthwomb that we deep dived into it and we’ve loved every bit of it since.

T!B!B!: How would you describe the music Earthwomb is playing?

Earthwomb: Our work is born from the combination between a conceptual plane and an aesthetic creation that fuses different currents of black metal. If something defines us, it is this synergy that allows us to build denser environments and describe atmospheres that escape ordinary language. We have made music together for more than ten years and our projects have always remained in this same direction, trying to reconcile conceptual proposals (philosophy, world perspective) with dense, strong, dark and intense musical tones.

T!B!B!: What is your EP „Becoming Immanence“ about?

Earthwomb: The approach for „Becoming Immanence“ portrays the history of the Earth, the birth of what is universal. For us the Earth is a universal expansion and its effects are finite. That which expands beyond consciousness and morals, a code that is immanent. Immanence is intensive, energetic and vital, but it also has black depths, abysses, and darkness. So everything in immanence is rhythm, birth, death, perversion. We believe that the effects of this immanence, that is its expressions, are time (Fractal Phenomenon), space (Walkscapes), organisms (Trespassing the Paragons of Consciousness), war (The Gathering) and energy (Vital Flux ), that orients the latter to a continuity; they are moments of a single unfolding, of a single development: immanence.

T!B!B!: What about the writing and recording process of the EP? How was it like?

EarthwombBeing this such a particular and personal project, the whole writing process was actually a bit lengthy. We wanted to follow some sonic criteria in order to portray the concept and theme in the most accurate way possible, at least to our ears. The first iteration of the EP came along rather quickly but we felt at that point that we needed to go further and keep carving the stone. That second stage of the process was the longest in terms of writing. We recorded the EP twice not only because we did some adjustments and changes to the songs but because we felt we could deliver better performances and takes. Thankfully we were done just before covid hits and quarantine began. What we have left hanging was all the synths, orchestral and post arrangements. That and some extra tweaks on some guitar parts were done remotely, which btw was hard to get used to as we’ve always worked better when we’re in the same room. That was a very interesting and valuable learning process we had to go through and in the end we managed to get all what we wanted. The mixing process was a very involving and evolving experience as well. Pedro had decided to mix the EP himself so he had to learn and improve his craft. We also had to develop a way to communicate and interpret each other’s mix revisions in the most efficient way possible. It was quite the adventure to be honest and we’re beyond thrilled to have done it that way.

T!B!B!: How is it to play Black Metal in Peru? Are there many Black Metal Fans?

Earthwomb: We haven’t had the opportunity to play in any local or national event just yet due to the pandemic context we are living in, but we hope to be able to make some dates in the coming months of the year. Black metal in Peru has a large number of fans, we would dare to say that it is one of the most developed styles in our country along with thrash metal or grindcore (and subgenres derived from them). When listening to Peruvian bands that play black metal, we can perceive that there is a strong rootedness to the classic sound of the genre, but there have also emerged some projects in the capital and provinces of our country that seek to explore or experiment with a more contemporary or disruptive sound. Another characteristic feature of Peruvian black metal is the inclusion of a conceptual, visual and sonic aesthetics of the cosmovision inherited from our pre-Columbian past, esotericism and ancestral wisdom essentially linked to nature. It is also worth mentioning that Peruvian scene is part of the formative period of the genre (proto-black metal / FWBM) in South America. Many projects such as Hastur or Hadez created albums or demos in the eighties, leaving a legacy that resonates to this day and in some cases those bands that initiated this musical current are still active and producing material.

T!B!B!: How is the Metal scene situated in Peru in general?

Earthwomb: Peru has positioned itself in the international scene with great references such as Mortem, Hadez, Anal Vomit or Goat Semen, just to mention a few. Many of these bands were formed in the capital (Lima), but we also have a huge and super important non-capital scene that we think it’s necessary to put in value, for its transgressive character and the inclusion of instrumental or aesthetic elements of each region. The Peruvian scene is strong and remains in a constant process of construction despite the adversities it may face, due to the small number of labels, promoters and lack of venues for concerts, tours or festivals that can develop in a gradual way. Obviously the pandemic has generated a strong impact, leading many venues to close and although some events have returned, many of these must be canceled due to restrictions imposed by the government. This does not mean that the bands in our country are in some sort of lethargy, most develop their work independently or with the support of major labels that are established in our scene, in many cases the adversities can lead to generate great installments that we feel require greater visibility, because they deserve to be heard.

T!B!B!: What does music in general and metal music in particular mean to you?

Earthwomb: We want to understand metal as a becoming approach. Becoming means transformation, mutation, change and perversion. Unlike other musical outfits, metal has a wide heterogeneity because it is committed to exploring styles, mixing trends, returning to aesthetics that seemed lost, affirming provisional positions. Everything in metal is contagion and transmutation. Everything in metal is perversion, combination and upheaval. In this sense, talking about identities is only a provisional discourse for a style. In a style there is always contagion because it’s the result of becoming. It’s also necessary to mention that our musical references are not reduced only to metal or related subgenres. We incorporate elements completely unrelated to metal and that has definitely helped us to shape our sound in our own way.

T!B!B!: Thanks very much for the interview and all the best for you and “Becoming Immanence”.

Verloren in der Weite – Becoming Immanence von Earthwomb

Atmospheric Black Metal
Veröffentlichung: 07.10.2021
Eigenveröffentlichung
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Earthwomb - Becoming Immanence (Artwork)(English version below.)

Es gibt Zeiten, da brauche ich Musik, die ich laut aufdrehen kann und die mich dann wie eine feste, schützende Rüstung vor der Außenwelt abschirmt. Das Debüt „Becoming Immanence“ der peruanischen Black Metaller Earthwomb liefert genau solche Musik. Komisch eigentlich, denn das gesamte Album atmet und schreit Leere und wütende Verzweiflung. Aber da ist auch dieses Gefühl unglaublicher Weite und Unendlichkeit, das sich beim Hören einstellt, einen einlullt, fortträgt aus dem Alltag und einen eben tröstlich einhüllt. Ihr seht schon, Earthwomb lösen mit ihrer Musik ganz widersprüchliche Gedanken und Emotionen aus. Und doch gehört alles irgendwie zusammen.

Der Opener „Cosmic Revelation“ macht gleich klar, worum es thematisch auf dem Album geht. Er hat etwas von Filmmusik, von Weite und Einsamkeit und einer schwelenden Bedrohung. Wenn das Tempo dann anzieht und die Bedrohung weniger subtil ankommt, spielen Earthwomb ihre Stärken aus. „Walkscapes“ zum Beispiel punktet mit seinen Blastbeats, knackigem tremolopicking Riffing, melodischem Lead und ist rhythmisch abwechslungsreich. Dazu kommen ein Hauch von Ambient und die Screams von Sänger Giancarlo, die voll unter die Haut gehen. Der Song ist wie eine düstere, hoffnungslose, wunderschöne, fließende Masse, die ins Ohr kriecht und alles durcheinanderwirbelt. Die Peruaner arbeiten häufig mit atemberaubenden Walls of Sound und kreieren so einen düsteren Strudel, der einen mitzieht und in dem man sich komplett verlieren kann. Ein cleaner Break sorgt für ein kurzes Durchatmen, bevor sich die Verzweiflung erneut Bahn bricht. „The Gathering“ baut auf ähnliche Zutaten, geht aber noch etwas mehr nach vorne, ist aggressiver und rhythmisch wuchtiger. Die intensiven Screams und die Wall of Sound transportieren einen Wust an Wut und Schmerz. „Trespassing the Paragons of Consciousness“ ist weniger bissig, etwas zurückgenommener. Der Song punktet mit halligem, entrücktem Sound, Drumdauerfeuer und Gitarren, die melodisch durch Zeit und Raum fließen. Man verliert sich völlig im Sound, lässt einfach los und schwebt mit. „Vital Flux“ fügt dem Album zum Ende noch einmal eine neue Note hinzu. Der Song perlt mit Piano langsam aus und lässt einen irgendwie – Moment, nochmal einfühlen – wehmütig und mit einer seltsamen Leere im Körper zurück.

Earthwomb haben mit „Becoming Immanence“ ein wunderbares, packendes Debüt hingelegt. Die Musik umhüllt einen mit ihren Tremoloriffs, melodischen und gefühlvollen Leads, Blastbeats, verzweifelten Screams und ihren großartig konzipierten Klangwänden. Ein Album zum Abtauchen und um sich darin zu verlieren.

Wenn ihr jetzt neugierig geworden seid und mehr über die Band und ihre Musik erfahren wollt, dürft ihr euch schon auf ein Interview freuen, in dem Earthwomb Rede und Antwort stehen zur Band selbst, zum Album „Becoming Immanence“ und zum Thema Blackmetal in Peru.

Earthwomb auf YouTube

There are times when I need music that I can turn up loud and that shields me from the outside world like solid, protective armor. The debut „Becoming Immanence“ by Peruvian black metallers Earthwomb delivers exactly this kind of music. Funny actually, because the entire album breathes and screams emptiness and angry despair. But there is also this feeling of unbelievable vastness and infinity that comes with listening, lulls you, carries you away from everyday life and envelops you comfortably. As you can see, Earthwomb trigger very contradicting thoughts and emotions with their music. And yet everything somehow belongs together.

The opener „Cosmic Revelation“ makes it clear what the album is about. It’s like film music of vastness and loneliness and a smoldering threat. When the pace picks up and the threat is less subtle, Earthwomb show their strengths. „Walkscapes“ for example scores with its blastbeats, crisp tremolo picking riffing, melodic lead and is rhythmically varied. Then there are the screams from singer Giancarlo, which get under your skin. The song is like a dark, hopeless, beautiful, flowing mass that crawls into your ear and whirls everything upside down. The Peruvians often work with breathtaking walls of sound and thus create a dark vortex that pulls you along and in which you can completely lose yourself. A clean break allows you to take a deep breath before desperation breaks out again. „The Gathering“ is based on similar ingredients, but goes a little more forward, is more aggressive and rhythmically more powerful. The intense screams and the wall of sound convey a orderly mess of anger and pain. „Trespassing the Paragons of Consciousness“ is less snappy, a little more withdrawn. The song scores with reverberant, entranced sound, continuous drum fire and guitars that flow melodically through time and space. You lose yourself completely in the sound, just let go and float with it. „Vital Flux“ adds a new note to the album at the end. The song slowly bubbles out with the piano and somehow leaves you – just a moment, have to think about it  – wistful and with a strange emptiness in your body.

Earthwomb created with „Becoming Immanence“ a wonderful, thrilling debut. The music envelops you with its tremolo riffs, melodic and soulful leads, blastbeats, desperate screams and the wonderfully conceived walls of sound. An album to immerse yourself in and to lose yourself in.

If you’re curious now and want to find out more about the band and their music, you can look forward to an interview in which Earthwomb will answer questions about the band itself, about the album „Becoming Immanence“ and about black metal in Peru.


Tracks:
1. Cosmic Revelation
2. Fractal Phenomenon
3. Walkscapes
4. Trespassing the Paragons of Consciousness
5. The Gathering
6. Ulterior Revelation
7. Vital Flux

Band:
Giancarlo Melgar – Gesang
Eduardo Yalán – Gitarre
Pedro Zamalloa – Gitarre, Bass, Drum Programmierung